"El Dédalo en la llaga"

El estudio perfecto

2010-09-06T05:46:00.000-07:00

En estos días acabo de terminar de acomodarme en mi nuevo estudio. La verdad es que esta es la quinta ubicación fija que me organizo para pintar y creo que el resultado es estupendo. En mi caso lo más normal es que termine como un enfermo de síndrome de Diógenes, con todo el espacio ocupado por hallazgos varios. El artista acumulador es muy común y suele ser todo un problema con el espacio. No sólo tienes que almacenar la obra sino que además necesitas sitio para todo el acopio de basura inspiradora.

Un caso curioso al respecto es el de Francis Bacon, no el barón de Verulam, vizconde de San Albano, canciller de Inglaterra, no me refiero al pintor expresionista, Irlandés-inglés-español 1909-1992. En su estudio almacenaba una pila de recortes, papeles sucios y toda clase de porquerías. No sé ni cómo entraba.

Pero claro si me pongo a describir los objetos que me han inspirado, la lista me resulta apasionante:

Una piedra de Lanzarote

Una figura de un grifo dorado (me refiero al animal mitológico)

Una calavera de madera de 5 cm de alto

Una lámpara de aceite traída de Jerusalén

Un destornillador de hierro forjado de Sheffield, acompañado de un formol

Tela de tarlatana

Una caja de latón con una cuchilla de afeitar antigua.

Una lupa de mesa

Un candelabro

Una figura de la torre Eiffel

Una cinta de la medida de la Virgen del Pilar

Cinco carnés de estudiantes, federaciones deportivas y abonos transporte caducados

Una plomada profesional,

Una cadena de soldado.

Cuatro libretas llenas de pensamientos

De los libros mejor no hablamos

Una Zampoña peruana

Algún juguete de la infancia (click o algún guerrero imperial de stars wars)

Como hacer frente a eliminar estos tesorillos?? No se puede, todos tienen una utilidad infinita. Serán útiles para alguna pieza venidera.

Bueno el caso es que el estudio perfecto es el que mejor se adapte a las necesidades de uno. En mi caso necesitaba una distribución de las cosas que me obligara a ser ordenado. Obviamente no dispongo de mucho espacio, así que si tengo 6 metros cuadrados , tienen que ser lo más dinámicos posibles. Al fondo de la habitación, frente a la ventana, he colocado una mesa de 50 cm de fondo , por 100 de ancho. Es ampliable a 100x100, lo necesario en “cerrado” para el pc y en “abierto” para poder dibujar leer o escribir. Al finalizar su uso en abierto hay que obligarse a cerrarlo, de lo contrario es un lugar de sedimentación seguro.

A la derecha de esta ocupando el espacio restante hasta la pared, un mueble verdulero. Una estructura con ruedas de superficie 24x40 cm, unos 70 de alto y tres cajones. Modelo Antonius de la tienda ikea.

En la parte superior coloco los pinceles y la paleta (me gusta de cristal, se limpia muy bien con una cuchilla). Debajo pongo las pinturas y pinceles a uso en el primer cajón, las herramientas barnices y demás usos próximos y por ultimo la cubeta con papel y trapos. No hay que llenarla mucho para que no pese al moverla por la habitación.

En la pared contigua el caballete (con ruedas por supuesto), nada más que el lienzo que esté trabajando y detrás un tablero para dibujar sobre papel. En el tablero pondré cuatro pinzas para sujetar el papel y una hilo de bramante que me sirve de guía.

La habitación tiene un paso más estrecho e impracticable para trabajar, así que lo empleo para poner una estantería con puertas. Las puertas son fundamentales, de lo contrario cada cosa que me encuentre la pondré allí y termina siendo una colmena de restos apilados.

Las luces, de neón (día) en el techo y un flexo en la mesa. Todo muy austero. Y no se me puede olvidar, en la pared dos planchas para imanes en las que colocar los papeles a modo de cartelera.

Finalmente la silla de trabajo, solo una, tanto para la mesa como para el caballete. Con ruedas y lo más cómoda posible.

Nada más, ni un cuadro en la pared, si acaso alguna foto.

Con esto puedo estar muy cómodo con cada cosa en su sitio. La premisa es cerrar todo al finalizar la sesión, y tirar todo aquello inspiratorio que no he usado en los últimos seis meses.

Ya estoy trabajando en él. Un saludo

El bloqueo y su extinción

2010-06-06T12:55:00.000-07:00

para componer algo desde la nada, hay que plantearse lo primero una cosa importante. De la nada no se parte... es mas difícil hoy en día ser un Picasso. Ya hay de todo, aunque a veces sean ruinas. Así recurrimos a aquello de pensar que "el que tuvo retuvo". Y es en esta situación desde la que hay que partir. el proceso creativo esta en todos los movimientos que se hacen para tirar del hilo . descubrir un punto de partida bueno , es quizá uno de los planteamientos más difíciles que hay en el arte. Las situaciones de bloqueo a las que uno se puede someter, hay que verlas como preludio de una explosión creativa. y es en eso de darse cuenta en lo que se pierde más tiempo.

Hay dos posibilidades de afrontar ese momento, desde el miedo, tremendo paralizador y desde la libertad de uno mismo. Hacerse libre de uno mismo. La primera, el miedo ante el proceso creativo, es muy clara. El miedo bloquea, paraliza, y destruye toda iniciativa. Además el miedo se presenta en muchas ocasiones, como una vacuna contra la temeridad. Si uno se lanza con cualquier cosa que se le viene a la cabeza, puede ser víctima de si mismo, de un mal enfoque o de un narcisismo sin espejo del que luego es muy difícil desprenderse. Por otra parte el miedo también aparece en el proceso creativo visto en positivo. El miedo pone en alerta, despierta los sentidos, pero solo hacia adentro, a proteger. En ese punto, si uno es puerco espín ahuecará las púas, si uno es perro se agachará en una esquina, si es un gamo correrá como alma que lleva el diablo....uno se pone a la defensiva y al igual que en el fútbol, el equipo que se cierra en defensa, hace unos partidos tan eficaces como aburridos. Casi nunca ofrecen nada que toque a la afición.

Por otra parte esta el ejercicio de hacerse libre de uno mismo y rebuscar un poco entre los escombros propios con carro de chamarilero. De esos carros en los que cabe muy poco, sólo lo que se pueden llevar en el día, no más. Esta gente rebusca y encuentra los materiales que la calle les da. por un lado se llevan lo que pueden , pero seleccionan entre eso lo mas pesado, lo de metal mas caro, (no es lo mismo un hilo de cobre que de aluminio). No son basureros ojo, son chamarileros. Tienen sus propios filtros de selección. El artista bloqueado que se libera de si mismo además tiene que contar con el apoyo de otros, si estas solo a estas alturas, date por jodido, porque te conviertes en lo peor de los autodidactas, que suelen creer que sus pedos huelen bien. No hay que tener a quien llorarle una obra, y si es posible a más de uno para así poder contrastar la obra con varias opiniones.

Hay que encontrar ese hilo del que tirar, y seguirlo salga el sol por donde sea porque si uno honesta mente ha tratado de sacar de si el mayor jugo posible del trabajo propio, lo que venga será así.

Por último hay que ser mínimamente coherente. Los mamíferos se dividen en dos grupos, los que cazan, y los que son cazados por esos... más o menos. El caso es que unos , los primeros tienen los ojos situados en la cara, de frente, mirando hacia delante. Los segundos tienen sus ojos a los lados, para poder tener un campo de visión más amplio y poder percibir el ataque de los depredadores lo antes posible. En momentos de desbloqueo, hay que saber que visión tenemos, la que ataca de frente o la que percibe en panorámico. Las dos son necesarias, pero a cada una su momento.

Copiar y pegar

2010-05-19T13:04:00.001-07:00

Ayer me pasó un amigo un vídeo en el que un grupo australiano representa con cuatro acordes 35 de los mejores éxitos del rock actual. Apare de tener mucha gracia en sus cosas, estos tipos sintetizan muy bien el “copy&paste” en la creatividad. Quizá suena a denuncia, pero creo que es un buen ejemplo de lo que se puede hacer mirando a los demás. Evidente mente sin talento resulta difícil proliferar tan solo con la técnica de copiado. Es como me contaba otro amigo, si viene el diluvio universal y alguien dice “me voy a salvar”, y otro llega y le dice “pero si no sabes nadar” y el primero le contesta… ”no… he hecho un cursillo por internet y he practicado sobre la alfombra…” con la técnica de copiado-maquillado se llega , pero no muy lejos…los recursos se van agotando. Sirva de ejemplo musical este vídeo de un grupo australiano “Axis”.

Los cuatro acordes de los que hablan, son el inicio canon de “Pachelbel”

http://www.youtube.com/watch?v=5pidokakU4I

Otro ejemplo es el de la Disney con el Copy&paste. Aunque en este caso es un homenaje y la verdad es que muy bueno por parte del que lo ha editado.

http://www.youtube.com/watch?v=vh84g8rC2oA

En el arte plástico (pintura) esto pasa mucho. Abiertamente se homenajea a predecesores abiertamente. Cuando es copia , como ejercicio de copia y cuando no?... dilema planteado.

Por ejemplo, la relación entre Picasso y Braque, los homenajes de Sigmar Polke a los aguafuertes de Goya, los geniales cuadros de Manolo Quejido, tras la estela , más refinada eso si de Philip Guston…y así miles y miles de relaciones entre artistas. Continuará

Ojos brillantes, oidos que brillan...

2010-03-22T09:19:00.000-07:00

Bueno la verdad es que cada vez se espacian más mis reflexiones en abierto en este blog. No me da la vida...pero de vez en cuando si que disfruto de lo que me pasan los amigos y esta es una de esas ocasiones en las que he disfrutado mucho. Por el trabajo estoy metido en lios de innovacion tecnológica, redes sociales, y demás relaciones vía red, por las que veo como el arte ya está completamente globalizado y no tiene excusas el creador para mover su trabajo. Otra cosa es el refrendo que se quiera conseguir. Ruido, vistosidad, lo que sea, los argumentos en la red pasan al público en cuestión de de segundos. Sólo hay que darle a "intro" y ya está.

Me pasa algo con la compresión del arte que tiene que ver con esto. El otro día debatíamos un amigo y yo sobre la obra de un artista bien conocido y con puntos dispares llegamos a una conclusión común muy importante. El artista que nos gusta, es el que crea objetos nuevos, no solo combina objetos ya existentes aderezados por salsas mas o menos cultas. En esa línea de crear algo nuevo , una pintura, una escultura, me llega este maravilloso vídeo sobre la comprensión y el disfrute de la música llamada culta(música clasica). Os dejo el vídeo que es mucho más interesante que lo que pueda yo decir y asumo un pequeño reto de llegar a una analogía en esta línea con la pintura ... ahí es na. Que lo disfrutéis

Benjamin Zander en ted

Casas de pintores, el jardín del conocimiento.

2010-02-11T11:45:00.000-08:00

Después de un año largo de espera, hemos vendido nuestra casa. La cosa tiene miga pues en estos días que corren en plena recesión económica no ha sido fácil. Por suerte y por santa paciencia, la cosa ha llegado. El caso es que nos vamos a trasladar a una casa un poco mayor en la que pode tener un espacio mejor para todos, y para poder tener el estudio en el que trabajar.

Las casas de los artistas tienen algo en común, la atmósfera. Una de mis pasiones es visitar casas museo de artistas, y he tenido la suerte de conocer algunas, como la de Dalí en Cadaqués, Cesar Manrique en Lanzarote, la casa Unamuno en Fuerteventura, la de Sorolla en Madrid, la de Picasso en París... varias de artistas que se han convertido en pequeños o grandes museos por su actividad cultural. También pude estar una vez en casa de Daniel Canogar, o de Rafael Hidalgo de Caviedes, o la casa del tenor Aquiles Machado.... todas ellas con atmósfera. Bien porque como un tonto en aquellos días me quede mirando al dedo que señalaba a la luna, o bien porque realmente hay algo en ellas, esa atmósfera, es la que reconozco hace ir mas allá de la pura estancia al espacio habitado. En las paredes suele haber prendas de amistad entre artistas, en las estanterías libros de arte, revistas desclasificadas, algunas rarezas y otros ingredientes de la ensalada que supone preocuparse por escudriñar el conocimiento. Estoy seguro de que el conocimiento artístico y en general el conocimiento cultural, es como un jardín que todos tenemos. Ese jardín goza de los cuidados que cada uno le quiera dar, abono, riego, atenciones...¿como es pasear por ese jardín? ¿cuan largo o breve se te hace el recorrerlo? Sólo dos preguntas, quizá ese paseo sea el termómetro de nuestro conocimiento y se refleje en nuestras casa, en lo intimo y lo publico. Lo importante será no tener que llegar a decir nunca "me di un paseo por el jardín de mi conocimiento, me resultó breve"

Me gusta la formula del reciclaje

2009-11-22T11:39:00.000-08:00

Si, lo admito me gusta la formula 1. Simplemente no es mas que un grupo de niños multimillonarios, que corren en circuitos de millonarios, encima de coches que cuestan millones. En cifras, para empezar un neumático cuesta la friolera de 24.000€. Como para pinchar con una tachuela... que tiene que ver con el arte esto? pues mucho , pero con el arte de generar necesidades, espectativas, emoción, y algo con una presentación nudo y desenlace. La pole position, donde unos abusan de calidad de conducción o de coche más potente. La carrera, con las salidas, las paradas para repostar y los cambios de neumáticos, y la llegada. A veces algún golpe, otras un accidente... el conjunto es muy interesante, el negocio redondo y en el caso de este año, cortina tras cortina de humo para mantener a la afición en vilo. La de letras y letras que se han puesto sobre blanco en este año, para no contar nada. La de tontunas que se han puesto frente a las carreras de verdad... este año el campeonato ha sido malísimo como habrá sido como para que no viera ni la mitad de las carreras... En fin por lo menos he dado unas pinceladas con los peques . Este coche que hoy pongo en la fotografía esta hecho con los restos de tarjetas de crédito caducadas, tapones de botella de agua y algo de cinta americana. En fin que salvo este rato con los peques...a la porra con la F1!!!!

PD:algo colaboracional se esta cociendo, los que no leen este blog no lo pillarán desde el principio, jejeje saludos a Paco y Juanjo.

Hunga!!! Hunga!!!

2009-11-15T12:56:00.000-08:00

Esta semana la creatividad de la etapa de barbecho pictórico en que me encuentro se la ha llevado de nuevo el colegio de los pequeños. Están montando una cueva o caverna de la era del paleolítico. Pintando las paredes como los crogmañones y enseñándoles como se vivía en las cuevas, una forma estupenda de aprender cosas viejas-nuevas. Al mismo tiempo la semana pasada nos fuimos a la Ribera del Duero a una casa rural con amigos para conocer la zona. la verdad que preciosa. Nos vinimos con el maletero lleno de palos, piedras, cortezas y yesca para hacer un poco de cosillas de estas de los primeros pobladores. El resultado es tremendamente peligroso dado que seguí las instrucciones de la serie "Erase una vez el hombre". Nada aconsejable para críos de tres años. Hicimos las flechas con ramas verdes de tamarindo, rectas, acabadas en orquillas como las de un tira chinas pero tres brazos. Colocábamos las piedras en el centro y luego las atamos con hilo de bramante. Finalmente una capa de yesca mezclada con grasa animal a modo de pegamento. Como no tenemos grasa animal por casa y en nuestra ciudad el bisonte no se deja cazar, puse acetato de polivinilo que es mas sencillo de emplear y de lavar. Por otra parte para la cueva, hemos hecho un mechero de los de la época, imitando la forma de transportar el fuego de la película "en busca del fuego " de Jean Jaques Annaud. Además del mechero paleolítico una antorcha con cortezas y mucha yesca. Como no queríamos prenderlas las pintamos con las típicas ceras Manley con algún punto rojo y naranja que representara el rescoldo y luego el humo con guata sacada del interior de un forro de abrigo. El resultado, dos tarde de trabajo con los chicos y mas excusa para estar juntos en mi pequeño mundo de momentos ideales. Hay días en los que no me importan los siete años de estudios superiores sin dedicarme en exclusiva a la producción de lo que podría ser mi obra. Simplemente me hace sentir bien hacer estas cosas "quemando todas las naves"

Entender como niños

2009-10-28T15:02:00.000-07:00

Hoy es uno de esos días en los que todo se pone a favor desde la mañana. No importa nada, hoy entiendo el mundo. Hay una frase de no se que artista que dice que no se entiende algo hasta que no se dibuja. Me atrevo a ampliarlo, hasta que no se construye, se crea, se trata de hacer algo donde antes no había mas que un deseo. Mi hijo mediano me planteó un reto para la fiesta de haloween que se celebra estos días. No es una fiesta que me guste en especial. no la reconozco como algo de mi realidad pasado o presente. Hoy lo ha sido. se trataba de preparar una careta para su celebración. El me insistió en que deseaba ser un lobo. El lobo de los tres cerditos, el de caperucita roja, que se yo... el lobo. El caso es que he pasado cinco horas de los últimos dos días cosiendo esta careta que hoy cuelgo en esta foto. El proceso creativo es el siguiente. sacar un lobo de donde no lo hay. primero lo dibujé un poco por encima, tomé medida de la cabecilla del interesado y recopilé materiales varios. Tela de fieltro marrón, un poco de pelos de algún abrigo viejo que encontré, y algo más de telas de colores y guata. El caso es que empiezo a coser sin patrón, a lo loco cosiendo con hilo enebrado a lo bestia, una pieza dentera, el morro, dos colmillos de trapo y una lengua. dos tardes dándole a la aguja. Yo coso poco y a lo bestia. El resultado no es malo, es muy aparentoso pero es un medio. Eso es lo que he visto en todo esto. El fin era que mi pequeño fuera contento al colegio y yo sentir que hacía algo oportuno y bueno para él. Sus ojos dentro del engendro me lo han confirmado... estaba feliz. No se coser, me he pinchado y no importa, la cosa es ponerse y acabar entendiendo lo que ahí pasaba.

Imágenes que contienen historias poco o muy comunes

2009-10-16T15:36:00.000-07:00

Hola, solo hola. Si ha pasado el tiempo y como no ando sobrado no voy a andarme con rodeos. Ando dando vueltas a una imagen. Un cubo semi enterrado en la arena de la playa. Es un cubo de color azul, con el asa amarilla. Esta lleno de arena de playa mojada, como cuando cuesta sacarla porque la han metido a conciencia. El cubo esta solo. Es por la tarde y nadie lo reclama, lo han dejado allí. Esta abandonado a una distancia de 15 metros del agua. Que hace allí. En manos de un artista esta imagen puede ser un guiño al veraneo, evocar lo que sería una trastada de niños que olvidaron su juguete. También puede ser fruto del olvido de la recogida de la jornada playera con los niños... El cubo esta solo, semi enterrado, esperando la noche . Noche que se vecina y que no perdonará a esa presencia en la arena. Puede ser el olvido de una ola que vuelve al mar, pero no, en este caso se llenó a drede de arena y se dejo allí. ¿Porque una imagen así nos puede evocar algo como artistas? Como es posible que una imagen tan sencilla pueda esconder algo. El asunto esta en que todo cambia desde la perspectiva del entorno. si centro un poco más la escena y lo ubico todo en una playa del norte de España... puede ser que empiece a cobrar sentido.

Resulta que esa imagen es la última que recuerdo de la playa de Ondarreta de San Sebastián de este pasado verano. es por la tarde y yo estoy jugando con mis hijos en el jardín del palacio de Miramar. Desde allí veo el cubo. Como imagen no es muy potente...pero y si cuento que es el resultado de haber salido corriendo por la mañana de la playa? si, ese día la policía autónoma vasca nos sacó de la playa corriendo porque hubo un aviso de bomba terrorista. Consultar las hemerotecas...15 de agosto de 2009. el cubo de mis hijos se quedó allí no nos dio tiempo a cogerlo. un erchainak llevó en volandas en el cochecito a mi bebe mientras mi mujer tiraba de mi hija mayor y yo del mediano... miedo.

a veces una imagen inocente puede esconder toda una reflexión para un artista. quizá en la transcripción de la realidad que hacen los artistas esta escondido un acertijo, fruto de la sucesión de experiencias propias. recordad todo lo simbólico de los surrealistas. en fin para entenderlo tengo que dibujarlo. Ese cubo en esa playa. saludos

Ser Pablo Picasso o ser Vermer

2009-06-09T15:26:00.001-07:00

En esto de hacer cuadros o dibujos o cualquier obra de arte, la cantidad y la calidad si que importan. Por un lado tenemos a Pablo Picasso, del que hay noticias cada mes, aún muerto hace 35 años. En su rincón del ring (sin que esto sea un combate) hay una infinidad de obra, que es inabarcable. Prolifero, tremendo, capaz de hacer una obra en dos trazos. Su pintura es sin más genial, un derroche de arte y de capacidad de hacerlo todo bien. En una entrevista en Francia en los años 50 decía que la televisión era muy interesante, que le encantaría trabajar delante de las cámaras y con ello realizar algo muy interesante. "a la gente le encantaría" decía, jejej tenía razón. No se ni cuantas obras existen de Picasso pero seguro que hay miles. Dibujos , esculturas, pinturas, cerámica, collage, lo que sea miles miles etc. Además lo que no hizo, lo dejó preparado para qeu luego otros familiares lo combinaran e hicieran posteriormente. El otro caso es el de Vermeer.... de Delft, 35 cuadros se colgaron en la exposición en el prado. 35 los que se conservan y una maravilla todos ellos. todos de tamaños reducidos, nada "gernicainos". Por supuesto que hay tres siglos de distancia (vermeer muere en 1675, Picasso en 1973). Vermeer muere pobre y asediado por los acreedores y Picasso endiosado. Hay que ver como ambos beben de lo cotidiano, de lo costumbrista. Ambos comienzan con sus obras de lo ajeno y se meten en lo cotidiano más y más. Vermeer 35 maravillas en toda una vida (43 años). Picasso Miles de obras maravillosas en toda una vida (91 años). Me gusta como las dos opciones son tan buenas y como en ellas lo importante es llegar a la perfección en la representación. Por cierto hoy han robado un cuaderno de dibujos de Picasso del museo que lleva su nombre de París. 35 millones € vale el cuadernito...la noticia de este mes sobre el genio. Haced la prueba, una vez al mes encontraréis la palabra Picasso en cualquier medio de comunicación.

Arte elevado y aplicado

2009-04-21T06:49:00.001-07:00

Hola a todos, bueno a los dos que leen mi blog. Siento no escribir tanto como antes pero ando de cabeza. Hoy quiero hablar de una parte muy importante del arte: Arte y artesanía.
En mis primero años de estudios, cursé algo de diseño en la escuela de artes y oficios de Madrid. En ese tiempo pude conocer las numerosas escuelas especializadas en Artes aplicadas. Repujado en cuero, trofeos y medallas, ilustración, bueno este caso es mas de arte hoy en día con premio nacional y todo. Todo un mundo muy variado que da solución a un hueco que hoy en día en parte se puede suplantar con la tecnología pero no del todo. El diseño de estampados, el diseño de muebles, el diseño de todo se puede hacer, menos la pieza única.
Hay especialistas en ebanistería que realizan un trabajo único, que nadie más puede ejecutar del mismo modo. También hay gente que hace marcos de cuadros que nadie más sabe hacer. Sólo cuatro marcos al año. Especialistas en pan de oro no especialmente restauradores.
Sin embargo estas disciplinas no fueron siempre consideradas arte con mayúsculas. Por ejemplo Antonio Gaudí diseñó unas sillas de madera que son esculturas impresionantes aplicadas a la utilidad de sentarse. O también hay telares que son pinturas en si, tanto como una pintada con tela, lo único que está hecho de hilos de colores. Lo difícil es el límite entre el cuadrito de punto de cruz y el telar impresionante como por ejemplo el que había de Joan miró en el hall de una de las torres gemelas.
La manufactura es el hecho diferencial, la artesanía se aleja de todo lo industrial. Por eso puede rozar tanto con el arte no aplicado.
No por el hecho de ser útil específicamente deja de ser obra de arte, hay grandiosas sillas, alfombras, mil cosas, sin ir mas lejos la arquitectura, que no es una ingeniería de casas, es más arte aplicado que otra cosa. Estas cosas dan calorcillo. Hay artesanos que dan mil patadas a artistas.

La intención de pintar

2009-04-06T01:46:00.000-07:00

Desde los tiempos remotos ha existido la pintura. Cuando el "homo lo que fuere" puso su mano sucia sobre la pared y la manchó, ahí empezó la historia del arte. No sé cual fue el primero, ni sé si su intención era mágica, o de entretenimiento. A lo mejor se aburría y empezó a manchar la pared con barro, tierra con orina o cualquier palo quemado de la hoguera de la noche anterior. La reacción de los padres sería "Oye GurK, hay que reprender al niño, que nos ha manchado la pared de la cueva..." El caso es que las pinturas están ahí. O no las borraron porque les gustó, o porque no pudieron. Lo que más me gusta es el gesto de coger algo con el dedo, o un palo de carbón, y ponerse delante de la roca a garabatear. En ese momento en que la mano , el ojo , y el medio de expresión se vinculan , empiezan la consciencia y la inconsciencia a caminar de la mano . No me importa el fin, pero si la finalidad que trata de representar. Que busca algo para los demás o para sí.

De todo eso algo nos queda a los pintores. En el caso de la pintura, es como los grandes mamíferos. Los rinocerontes con sus cuernos sobre la nariz. Los elefantes, con su trompa en la nariz...Las ballenas que son mamíferos acuáticos, con nariz...no sé pero a mi me da en la nariz que estos supervivientes de la evolución, son como los pintores. Son los últimos bichos raros que quedan de tiempos remotos. No son raros del todo pero tienen algo peculiar, un cuerno, una trompa miles de dientes largos como pelos. Y además los tratan de cazar para poner sus triunfos en los salones.

Los niños empiezan la lectoescritura con técnicas de dibujo. Con códigos de forma propias de la pintura. Por eso es tan importante pasar horas con ellos pintando. Creo que pertenece a la formación que más les puede ayudar en el futuro. aunque luego no la empleen en eso. En estos tiempos, la pintura en manos de un niño se puede convertir en una trompa, un cuerno o unos dientes largos como pelos. Algo anexo pero identificador. Un atributo, una nota de color, pero algo suyo. Al mismo tiempo hay que dejarles libertad. El famoso "no se sale al colorear" hay que dejarlo en el colegio, olvidarlo en casa para que represente las cosas como le de la gana. Diferenciar la pintura en la que se le enseñan los recursos educativos, de la pintura en que se enseña a pintar o a representar. La frontera es muy sutil pero merece la pena.

Artistas amigos de artistas

2009-03-23T08:42:00.000-07:00

No seré objetivo. Nunca lo soy, pero hoy quiero ser especialmente subjetivo. Que Juan me perdone.

El Jueves que viene 26 de Marzo en la galería Fernando Pradilla de Madrid a las 20 horas inaugura exposición individual Juan Gallego Garrido.

Nos conocemos desde el año 93 cuando empezamos la carrera. El venía de estudiar Físicas...menudo cambio tan drástico. A lo largo de los años de estudios fue "encrescendo" su oficio, y su interés por la pintura y toda técnica de representación como la fotografía el dibujo, etc. El caso es que empezó con carencias. Si carencias en relación a la pintura, carencias de uso de color, de dibujo, de composición, ...muchas carencias de las que nos reímos bastante. Frente a esas carencias había también mucho tesón, mucho interés, muchas ganas de aprender y sobre todo de disfrutar con cada trabajo. Esa ha sido una tónica general en su carrera. Al ver sus cuadros siempre he pensado, "este tío se deja la piel y lo disfruta en su resultado final". Con esto no quiero decir ni mucho menos que le salgan las cosas como churros y con facilidad, eso ha llegado más tarde y de hecho no termina de llegar. No en vano Juan es Doctor en Bellas Artes, con su tiempo extenso de tesis doctoral, tediosa y complicada. Además de todo esto se deja el talento en sus clases de la Universidad de Aranjuez dónde tiene un don especial para enseñar en oposición las carencias que pudo recibir en la Facultad de Madrid. Juan no es un profesor malo, de eso tuvo ejemplos y no cae en lo mismo.

le he visto pintar rincones de las clases para aprender, máscaras africanas aterradoras, paisajes nocturnos, y ahora desde hace ya varios años pintar desde la madurez de artista pleno. Sus temas desde "Principio de incertidumbre" nos muestran esa evolución desde lo mínimo como punto de partida hasta lo máximo. Hablar de la pintura de Juan es hablar de pintura con mayúscula. Es hablar de la concepción de oficio de pintor, el que es capaz de trasnochar, el que aprende de cada pincelada, de cada duerme-vela en busca de sus fines.

Algunos apuntes técnicos (con perdón) sobre su pintura:

La pincelada se ha soltado alcanzando más precisión si cabe.

Nada de estreñimiento pictórico. La mano esta suelta y el gesto sereno. Nada sobra.

Los cuadros están pintados sin miedo.

Interacción de los colores unos con otros magistral, con lo difícil que es utilizar el verde. El dichoso verde es un color que es muy conocido por el ojo , hay tanta variedad en el entorno natural que es muy difícil hacerlo creíble pintando. Complicadísimo de combinar. Juan se fía de lo que ve en la naturaleza.

El tratamiento de la luz roza el "sfumato" desde una perspectiva contemporánea.

Algunos apuntes conceptuales:

Cada cuadro de Juan es dramático. A mí me recuerdan a la balsa de la medusa de Gericault.

Son obras sobre la plenitud y el vacío.

Cada cuadro creo que nace crece se reproduce y muere en la retina, para volver a nacer después.

Son obras redondas. Cuando las miras en una sala te cuesta dejar una, para pasar a la siguiente.

Para mi estos cuadros son también denuncia biológica, terreno inconquistable, y algo tan estéticamente cuidado que me recuerda al arte oriental.

Son pura alegoría, tanto es así que si alguien dice que son cuadros decorativos, es mejor que se pase por Ikea para ver una "exposición"...

Temas arriesgados, podría ser un cursi pero es un salvaje, tan salvaje como un franco tirador.

Juan ahora, pinta a quemarropa. Sin complejos.

Suerte y véanlo antes de que crezca. Aunque solo sea por el orgullo de poder conocer la obra de un artista contemporáneo de verdad.

No es que sea amigo mío, que lo es. Es que es un gran pintor

Menacenssamble. Leeds. UK. 1999

2009-03-18T07:50:00.000-07:00

Hace ya diez años de esta exposición. Se trataba de hacer una instalación con todo lo trabajado durante unos meses en Leeds, en la metropolitan university. Pasé ese curso de doctorado allí , con la obsesión de trabajar en pintura y serigrafía. Cuando fuimos Miren y yo a NY en el 98, me quedé completamente impresionado con la obra de Robert Rauschenberg. Conocía la obra de Warhol, pero nunca me interesó tanto como la otra. Mezclaba la pintura, y el concepto de uso de imagen icónica, es bien diferente. Warhol toma personajes y los convierte en icono, Elvis, Marilyn, la sopa Campbell...lo que sea. Lo diferencia y lo transforma, mediante contrastes en algo unitario. Trabaja el concepto de icono ortodoxo ruso, una imagen que transporta a una realidad determinada. Lo cargaba todo de significado. Warhol crea productos a partir de iconos de la cultura norteamericana. Era muy necesario en su cultura. Rauschenberg es diferente, a mi me gustó mucho mas. Mezcla, pinta, rasga, imprime, y vuelve a imprimir. Emplea iconos pero los repinta y carga de expresión de un modo menos "limpio" y menos quirurjico. Warhol es a la serigrafía lo que un neurocirujano, Rauschenberg es traumatólogo...

En ese aprendizaje surgió Menacenssamble, una cascada de cientos de imagenes en una pared. La instalación la hicimos entre el pintor Raúl Bravo y yo. Consistía en una cascada de serigrafías , dibujos y pinturas de todo tipo, objetos encontrados etc. Los ingleses no se podían creer la cantidad de trabajo realizado. La sala era rectangular, de unos 60 metros cuadrados. En una pared las miles de imagenes sin orden, en la de enfrente cuatro cuadros ordenados de modo convencional. El contraste era tremendo. El material era pobre, muy pobre, estábamos mas pelados que los gatos. Entregamos un proyecto póvera, sucio pero coherente, lo aprobaron enseguida. Lo impreso eran los propios dibujos, fotos tratadas de revistas, impresión sobre revistas, alfombras, tuberías, una valla de la calle resto de un siniestro, carteleras, maderos, papel reciclado, cartulinas de gran formato y calidad, lienzos , laminas de látex, papel de acetato transparente, la expo duró dos semanas en la galería y la vuelta de Inglaterra con más peso del legal en las maletas...llenas de serigrafías que aún hoy sigo trabajando. Fue una pieza concreta de una experiencia vital muy trascendente para pasar a la vida adulta de artista.

Creatividad...algunos apuntes

2009-03-10T04:26:00.000-07:00

La creatividad se define como una manera nueva y mejor de hacer algo, capaz de ser repetida o evolucionada y de perdurar en el tiempo. Es Eficaz. Hay infinidad de situaciones en las que podemos encontrarnos con el problema creativo, abarca todas las facetas de la vida. La primera premisa es que la solución al problema creativo está en el propio problema.

Cuando se evoluciona de modo creativo, se alcanza la forma de un pulpo. Se abarca más, se tienen más agarradores, y se optimizan los movimientos que se hacen. Hasta se pueden generar cortinas de tinta para escapar, o ganar tiempo en una huida.

Como siempre el proceso creativo es más importante que el producto terminado. En el arte es así, por ejemplo en una pieza que te planteas. Si empiezas de cero te haces preguntas del tipo ¿que quiero representar? o mejor ¿sobre qué quiero pensar? y luego desembocar en trabajar evitando las formas de comunicar que explican todo en lo secundario. Tratar de comunicar mucho …con poco.

Las piezas hay que dejarlas lo más abiertas posibles. En el Barroco los cielos se abren hacia arriba, los cuadros dejan abierta la puerta de salida, canalizada hacia un fin concreto o no. En las obras de concepto esto se multiplica por n-mil.

El asunto del pulpo, en el caso del arte es el "oficio".

1- Trabajar haciendo varias cosas a la vez.

2- Perfeccionar la fisionomía de nuestros esfuerzos como la evolución de las especies: por necesidad.

3- Moverse despacio. Adecuado al entorno y medio

4- Dejar de enumerar los pasos a seguir...

En definitiva, ir encontrando los pasos de trabajo de cada uno que día a día se transforman en una rutina de trabajo. Partir de esta rutina, no es malo, al contrario hace evolucionar apoyándose en lo anterior.

Al crear algo y dejarlo abierto, permites que crezca o que lo hagan crecer otros. Fundamental en el arte de concepto.

Consumo de arte y televisión

2009-03-05T15:24:00.000-08:00

Hace poco he leído una sentencia de Cohen Seat y Fougeyrollas que con mucho acierto define en la televisión la capacidad de adultizar al niño, e infantilizar al adulto.

Como decía Rudolph Arnheim en Arte y percepción visual, la televisión es tremendamente pasiva, consigue que el espectador se anestesie y no piense. La tv nos pone en "standby", no nos apaga, no nos anula, pero su consumo, aplaca maravillosamente los estados de ánimo del día.

Para no demonizarla vemos que cuando uno llega cansado del trabajo y se relaja tiene varias opciones. Unas le supondrán esfuerzos, otras no. La persona que colecciona sellos y se pone a mirar por Internet las diferentes ediciones de esta o esa colección, el que hace barcos con palillos, el que ve la tele, todo lo que rodea actividad de ocio, bebe de la necesidad de relajar la cabeza de los sucesos del día. Sin embargo en el caso del Arte, sea del tipo que sea, lo podemos entender más como una actividad de consumo intelectual propio. En ello interactúa el artista, la obra, el expositor y el espectador o consumidor de arte. El arte se puede consumir sin llevárselo uno a casa consigo. Físicamente.

Si nos planeamos acudir a una exposición, lo haremos con una finalidad de disfrute ( a veces por compromiso) .

El asunto esta en que si procesamos cada obra desde la búsqueda de preguntas, nos podemos agotar. Creo que es bueno ir a exposiciones , y hacerlo como un consumo de ocio, pero con una ligera programación previa integrada en la propia actividad. Ya lo he hablado en ocasiones anteriores pero quiero darle una vuelta mas.

1- Voy a ver una exposición: Elegir fecha , hora , lugar.

2- Leer algo sobre lo que voy a ver. Tipo de exposición, pintura , escultura, grabado...

3- Buscar la mejor hora de visita. No menos de 40 minutos...

4-establecer un criterio de visita. Para ello ver las fechas de la obras, las coincidencias en las obras, la técnica compartida, los temas etc...

5-Con toda esta información previa, ver la exposición despacio, poco a poco, parando en aquello que me interese. Un poco de silencio para que la obra me mire a mí también.

Como decía antes en el ocio se puede uno abandonar en la actividad para que esta reporte ese puro ocio, o se puede disfrutar desde el esfuerzo que cataliza ese disfrute. Sin embargo también está el riesgo que define Arnheim comentando sobre el arte moderno "abundancia de obras que dan fe de un gran talento y destreza visual pero también de una deplorable superficialidad mental". Nadie te asegura que lo que veas no sea un bodrio.

Es como lo de Aquellos chalados en sus locos cacharros, cada uno a lo suyo.

Arte inacabado y rutina

2009-02-24T07:22:00.000-08:00

Sobre las dimensiones del arte y los diferenetes modos de trabajo, he encontrado un fragmento en vídeo del pintor Antonio López hablando sobre le arte inacabado y la relación con el espectador. Me ha gustado y por eso lo pongo. No camuflaré en nada la admiración por la obra de este artista. Me gusta y mucho, como Barceló, cada uno en lo suyo. No creo que los pintores (artistas) se tengan que catalogar por lo que hacen en concreto , sino por lo que hacen en el conjunto de su obra. El caso es que este hombre tiene un "oficio" increíble y en exposiciones como esta se disfruta mucho. Tanto los avanzados en el arte como los neófitos pueden asomarse a su arte y disfrutarlo. El Artista nos comenta como ve las idmensiones de las cosas y la representacion de lo cotidiano. Me lo apodero hoy para poder poner una voz diferente de la mía. Lo que más me gusta es lo poco pedorro que es, lo llano y transparente. Y sobre todo ... es un pintor-escultor que habla de pintura y de escultura, no de una sociología lejana a su obra.

Stand up Margarita

2009-02-20T10:05:00.000-08:00

Retomo este cuaderno de bitácora después de varios días sin tocarlo. Acabo de terminar una exposición colectiva en la que presenté dos piezas. Me centro en la que más me ha interesado.

Se trata de una escultura textil de las que he llamado textilmorfos. Son trabajos hechos con material muy pobre, telas de retor cosidas, de las que se emplean como lienzos para las pinturas. Estas esculturas , de las que ya llevo unas cuantas, me están produciendo muchas alegrías.

La idea original es convertir en objeto , el propio material destinado para representar esos objetos. Podemos emplear el lienzo para pintarlo o de este otro modo, lo cosemos y lo convertimos en el propio objeto. Me gusta esta pieza porque es un conjunto muy enigmático. Mezclo la infancia con la madurez, el protagonismo de tres personajes entre la masa que suponen los seis en total. He trabajado con dos figuras mas o menos reconocibles, la infanta Margarita y el príncipe Baltasar Carlos de Velázquez. El resto son figuras anónimas de la s que destaca un primer termino con más detalle en los ropajes y la figura de un adulto. Los demás son actores secundarios necesarios. La niña esta en el suelo y los demás han acudido a socorrerla con mas o menos curiosidad. El adulto esta con actitud de superioridad, a punto de alzarla o de firmar una extraña defunción.

En la relación de estos elementos y posturas , me gustaría que el espectador se parase a descifrar desde su perspectiva la composición que funciona como una escena de ninots de falla valenciana, un paso de semana santa, o pieza tridimensional de un retablo.

Trabajo sin patrón, añado tela de forma muy pictórica, donde la necesito para crear tal o cual volumen. El resultado esta vez me ha encantado y la presentación museologica más. Presentándolo en una vitrina de metacrilato, le dan al material un áurea de protección propia de las joyas de la corona, y una carga de delicadeza que completa la pieza.

Unos dibujos muy trabajados, de unos días muy valientes

2009-02-06T12:40:00.001-08:00

Los primeros dibujos después de la decisión de ingresar en BBAA me formaron y dieron una libertad total desde el esfuerzo más crudo y tozudo.

Gracias a Dios vengo de la educación pictórica más clásica y académica , la que me enseñó la apuesta por el trabajo del aprendizaje, y la humildad en el ligero desprecio de la propia obra. A menudo pienso que hago porquerías, en esos días mucho más. El asunto del dibujo era una búsqueda de nuevos lenguajes tan apasionantes como desconocidos por mi.

Necesité cuatro años para empezar a dedicarle tiempo y encontrar respuestas a todas las preguntas y juicios de valor que esta clase de pintura me originaba. Siempre he dibujado, desde niño, siempre ha sido una afición y entretenimiento personal muy rico, pero hasta el 92 no empecé a dedicarle tiempo a fondo, no más de unos carboncillos en verano con mi abuela y mi madre

Apareció Rafael Hidalgo de Caviedes, el pintor arquitecto, escultor y genio con el que tuve la suerte de aprender en su estudio-academia centenaria. Me daba mucha caña, me hacía trabajar semanas en un dibujo y luego me lo destrozaba. Me enseño cómo fragmentar y construir cualquier figura desde las líneas de composición fundamentales. Para enseñarme a dibujar me mandó horas al zoo, a las marquesinas de la gran vía y la castellana, al prado con lápiz y papel, a dibujar caras por el metro en trayectos largos. Me preparó el ingreso en la escuela de bellas artes atando as esculturas a bancos de madera, con cuerdas que trazaban los puntos cardinales de las composiciones. Me enseñó a mirar. Sin duda lo que me cautivó desde el principio fue la pregunta que me hizo ¿porque te quieres dedicar a esto?, no me dio horarios, ni tarifas, sino una pregunta que tiene que responder el tiempo, pero a los 18 años es bueno hacerse.

Espacios de origen 1994 (2ª parte)

2009-02-02T12:46:00.000-08:00

La verdad es que parece mentira , menudas fotos mas malas. Cuando conté en mi post pasado la pieza , algunos amigos me han dicho que no se ve un pimiento, así que en este segunda parte lo podé enseñar mejor. Para pintar este cuadro utilicé un bastidor de 146x114 cm en posición horizontal. Le pegue un tablero de contrachapado fenólico, del que se utiliza para los barcos y lo pinté con la imprimación de cola de conejo. La cosa no es sencilla pues me pillo el toro como siempre y no lo pude pintar en la facultad. Pedí permiso a la comunidad de vecinos de casa para poder pintarlo en la sala de juntas y a nadie le pareció mal... que lo pidan ahora que nadie se fía de nadie. Es otra cosa. Por un lado le dedique unas horas , días, semanas a ver como conseguir de un modo abstracto, algo muy hiper realista.

las manchas que construyen el cuadro, lo hacen desde la búsqueda de la ambigüedad. Utilicé varios tipos de tintes, incluido el café disuelto en varias densidades. Por suerte dejó de oler al barnizarlo. Mientras tanto me mantuvo muy despejado.

El caso es que la forma que aparece en la pintura la saque de una postal de las cuevas del Drach de Mallorca, una cúpula de una de las salas en las que se hacen conciertos de música clásica.

Entre las estalactitas y los muros de roca, encontré lo que estaba buscando. Pero no era suficiente, también encontré una estupenda forma de torso femenino. La mezcla de las dos imagenes me llevó hasta lo que los indígenas del perú denominan en quechua "Pacha Mama", algo como "madre tierra". Por tanto se juntaban los conceptos de ambigüedad, lo terrenal y la fertilidad de la tierra y del hombre.

Como la madre tierra esta sedimentando cualquier hallazgo, coroné la pieza con tres elementos de colagge que me impresionaron bastante. Se trata de dos balas de fusil disparadas, y un trozo de metralla. Me parecieron tres iconos del paso del hombre con sus sedimentos de lucha. La lucha en definitiva siempre ha sido por un palmo más o menos de tierra.

Como conté esta obra tenía tres partes, la naturaleza, la naturaleza modificada , y la naturaleza imitada o creada por el hombre. Sin duda un espacio de origen que me aportó toda una puerta de entrada al mundo conceptual, tan desconocido para mi. Hasta la fecha pintar era pintar, y los parecidos.

Espacios de Origen (1994)

2009-01-26T15:27:00.001-08:00

Esta foto es una cutrada, pero no tengo otra. Además, aunque suene un poco viejo, en ese año no teníamos nada digital y los revelados eran una pasta... en fin que esta pieza responde a un año y medio de seminario de historia del arte. En Espacios de Origen (título del estudio), dirigidos por Mercedes Replinger una de las mejores profesoras de historia del arte que he tenido, le dimos vueltas al texto que comente de sócrates y el objeto encontrado, al ensayo de Cirlot sobre el objeto surrealista, a los "Ritos Eleusinos", a todo tipo de representación artística vinculada.

Un trabajo que finalizó con una publicación de un catálogo y una exposición en la sala de exposiciones de la facultad de BBAA de madrid.

La cosa no era poco. En segundo año y con una exposición en la sala que estaba reservada para los que se licenciaban , los doctores, los profesores, etc.

El caso es que mi pieza era una reflexión sobre el objeto manufacturado, el objeto natural y el objeto ambiguo.

Así la llame "objeto ambiguo". Tres piezas en un formato de exposición que con el tiempo he repetido. Una frontal como un espejo, una pintura abstracta que bien podía representar humedad en una pared. Delante un par de piedras. Una arenisca de forma cúbica irregular de unos 150 kg de peso. Lo que nos costó bajarla a la sala... sobre la arenisca tallé con gradina y mazo unas formas rúnicas. algo qeu resultaba tribal.

Por último sobre la piedra una roca pequeña esférica, perfectamente tallada por el rio Tormes. Un canto rodado. Las tres piezas se combinaban dando origen a una pregunta, la misma de Socrates Que era manufacturado, que no.

El sentido de todo versa en el momento del hallazgo de la pieza, precisamente mi bautizo expositivo profesional, fue con la eterna pregunta de ¿que es esto?

a esta pregunta sólo se puede responder desde el estudio descriptivo del mismo. La experiencia fue estupenda, paso el tiempo, la vendí y ahora el cuadro está en un salón junto a un cuadro de Viola. De las piedras no se nada. Aunque sigo buscando por el campo y la playa objetos abandonados por la naturaleza de difícil denominación de origen

El faro desde la noche en el mar

2009-01-19T14:59:00.000-08:00

por la noche en la costa, cualquier luz vista desde el mar se agradece. Es como una estrella que guía, un punto de referencia en el que apoyarse. En la luz reside todo. Leonardo en los tratados de la pintura habla del sentido de la vista como el superior , nada hay sin el. También habla de las demás artes frente a la pintura...en esas luchas se encuentra él mientras avanza la historia del arte. A partir de 1400 los dibujos de los artistas cambian de modo radical sus formas. Que pasó que dibujaban mejor? no lo creo. En un documental para la BBC en el que David Hockney habla del tema, cuenta como se trabajó desde esas fechas con la cámara oscura. Muchos de los grandes artistas de la historia proyectaban con la luz y la cámara oscura sus lienzos. Caravaggio, Giorggione, y todos los grandes. Poco a poco en el documental nos cuenta como unos y otros aplican esas "anclas" de la luz en sus dibujos. Son peores artistas por eso?.....hoy en día el mundo digital nos ayuda al los artistas a hacer unos bocetos y trabajos con menos esfuerzo manual, y mayor esfuerzo intuitivo. Por no decir el filosófico. Ante un punto de luz en el horizonte al plantearnos la obra a realizar, podemos atajar con la suerte de disponer de infinidad de recursos. Todo aquello que ayude a pensar más rápido y mejor, pertenece al tiempo de hoy en día. Con todo esto, me gusta también el pastor que se sienta bajo una encina y apaga el transistor para pensar en como suena tal cencerro o como hacer tal apero con la pleita. El tiempo lo define todo en la concepción de la obra. Sin ese tiempo previo, no se llega a la orilla. Sin un planteamiento sólido no se puede hacer una obra "redonda". No es ya un tema de qué hay que decir, sino de cómo hay que decirlo. Lo importante del discurso visual es como esta de anclado a la realidad del artista. Una película, un escrito, una pintura, foto, escultura...lo que sea. Para mi tendrá mayor valor y capacidad de disfrute, cuanto más pueda yo entre leer del planteamiento a origen de la ejecución.

Objetos artísticos

2009-01-14T12:37:00.000-08:00

Juan Eduardo Cirlot 1916-1973 definió en su libro "el mundo del objeto a la luz del surrealismo " al objeto como cuatro posibles. 1-Objetos reales, o bien aquellos que poseen en realidad un sentido estricto. 2-objetos ideales, que son intemporales e indefinidos.3-objetos cuyo ser, consiste en el valer. 4-objetos metafísicos que tienen la función de agrupara todos los demás grupos pues contienen un poco de todo. Esta forma de desglose es bastante buena si lo que nos interesa es conocer un poco más de los objetos que vemos utilizados en las obras de arte. El asunto esta en que cada objeto tiene una función en si. Como ya he comentado en otras ocasiones lo que se pone y como se pone en la obra, se declara lleno de significado cuando se describe. Pero sin describir, y tan solo con el primer vistazo podemos reconocer varias cosas. por un lado si es un objeto natural o no lo es, lo podemos tasar, lo podemos valorar desde su valía económica o espiritual. Por ejemplo un ejercicio muy bueno es el de buscar entre los objetos que tenemos, por los cajones, alguno de nuestros objetos fetiche. Vamos a buscar esa cosa que siempre que nos hemos mudado no la hemos tirado. Como objeto puede ser desde una piedra, una carta, un click (juguete), lo que sea. pero al encontrarnos con el entre un montón de recuerdos de lo que ha significado y una fuerza de imán con nuestro cajón podemos entender el poder de los objetos. hay gente muy practica y afortunada sin el síndrome de Diógenes, que son capaces de tirarlo todo. Por lo general los artistas que he conocido , hasta los más clínicos y asépticos, suelen acumular objetos. Por último me paro también para explicar el poder de los objetos en el objeto de deseo. Este si que tiene fuerza, consiste en aquel que no se posee, pero se desea. Hasta que se tiene se desea con fuerza, y en el momento en que se apodera uno de él, o él de uno...entonces se desecha. La posesión de todo objeto es una mentira, pues sin interacción con el medio suele perdura más en el tiempo que el poseedor. Por mi parte tengo un lagarto de trapo, algunos soldados imperiales, tres o cuatro cartas, y el que más me gusta, una calavera de madera.

Sal, pimienta y un poco de canela

2009-01-11T12:41:00.000-08:00

Esta tarde he visto la noticia que dice que se reabre el museo Picasso de Buitrago de Lozoya. Se trata de la colección particular del que fue barbero de Picasso durante el tiempo de Paris. Una colección de unas 70 piezas, todas ellas regalos que hizo el pintor a su amigo. Lo que más me gusta del asunto es que probablemente en aquellos días esta colección no fue premeditada y si una recopilación cuidadosa de presentes. Por lo general, los artistas no regalan nada, no porque sean unos roñas, es más bien por aquello de que se les valore lo que hacen y los mercados. Quiero decir que un artista de firma y renombre no regala nada porque no le suelen dejar...aunque algunos lo hagan. por otra parte los artistas que no tienen nada de firma no regalan por lo que molesta que alguien pueda minusvalorar y restar importancia el trabajo.

Toda receta tiene su sal y su pimienta, justa, y cuesta mucho tiempo saber que le hace falta cada trabajo. Una vez terminados estos trabajos no pueden ser mas que vendidos o almacenados y eso si no se acaban quemando en la hoguera más oportuna. A mi me gusta la escena (de la que creo haber hablado) en la que Picasso dibujó ante una señora unos garabatos muy realistas o miméticos y la señora dijo"es impresionante, usted lo ha pintado solo en un momento..." a lo que el pintor respondió" No señora, lo he pintado en 60 años, 4 meses y 18 días..." Vamos que el artista sabía bien lo que le costaba hacer cada cosa. eso se refleja en cada precio de cada obra, la canela fina es la suma de todos los años de formación, de vida y de materiales y costes. Sin olvidar el coste de oportunidad. Para m´ahora que voy a exponer veo como me cuesta ponerme a tiro para poder hacer cada movimiento y eso va en el precio. Pero desde luego la lealtad a la obra y el precio de uno mismo es lo más escrupuloso que se debe ser. Sobre todo porque el mundo es hoy y más que nunca un pañuelo. Nos vemos en el SIAP (salón independiente de artistas plásticos) llevo dos obras del 9 al 19 de febrero en moda shopping Madrid

Termina el año en la casa de muñecas

2008-12-31T08:02:00.000-08:00

Hace exactamente un año que empezó este año que hoy termina. El caso es que hoy me acuerdo de "el pato salvaje" de Ibsen. Un buen amigo me regaló esa obra de teatro cuando me casé. Trata de las relaciones de un joven matrimonio en las que se puede entre leer la exajeración de uno de los miembros que al ahondar en todos y cada uno de los misterios de su pareja, pues acaba rompiendo la "magia". La situación es la de una laguna en la que el agua cristalina permite ver más o menos el fondo. Al disfrutar del arte, mantener cierta distancia con la obra que se visualiza, es bueno. Ibsen cuenta como el pato salvaje, interesado en ver como es el fondo real y absoluto de la laguna, bucea hasta tocarlo... pero ahí esté el drama que al tocarlo, sin respetar el devenir de las aguas y las corrientes, se enfanga todo. Todo se hace más borroso e incomprensible. Como no darse cuenta de que no todo esta en nuestras manos de espectador. hay que dejar el misterio de la creación al autor. El artista esta para algo, para traducir y ofrecer una visión de las sociedad. No podemos juzgar como espectadores desde nuestro conocimiento, haciendo del valor un total. El juicio del arte solo incumbe al que lo recibe y desde su subjetividad puede confrontar opinión con otro espectador. No hay arte sin juicio, pero tampoco lo hay sin misterio, sin confianza en un trabajo realizado desde el afán y el oficio. Otra cosa es que no guste, pero existir existe. Como todo. Hoy es día de renovación de votos, de deseos y para mí, solo quiero pensar en no dejar de tener "deseos de deseos" como dijo San Ignacio. Hasta el año que viene.

Navidad, retablos y pintura religiosa...

2008-12-26T15:59:00.000-08:00

San Francisco de Asís montó el primer Belén. En sus ratos de intimidad tomaba en brazos la figura del niño y la acunaba como si de un bebe real se tratara. Quizá por la ternura que despierta en mi ese sentimiento, me reconcilio con las noches de insomnio que me da mi hijo pequeño. Entre lloros por hambre y alguna queja, más que comprensible por las otitis y demás enfermedades propias del invierno. El caso es que una imagen religiosa como la de la natividad no puede pasar desapercibida. El tema esta en lo siguiente. ¿Se puede hacer en pleno siglo 21 pintura e iconografía religiosa? yo creo que si. Se puede ser más o menos aséptico en la representación pero desde luego es uno de los temas inmortales. Por mucho que diste de lo que se lleve en este momento, no puede ignorarse.

Nadie que se pare dos minutos, es ciego en profundidad ante un nacimiento. El que tiene hijos porque le recuerda al alumbramiento de los mismos, y el que no, porque es tan grande el misterio de ser hombre que se hace infinito al pensar en el alumbramiento propio. Bien pensado, cualquier cuadro grande o pequeño que represente el nacimiento de Jesús, es increíble. Solo hay que parar un segundo delante. Un niño, recién nacido, en una noche de frío. Sus padres mirándolo con asombro (no se puede mirar de otra forma el milagro de la vida) detrás una mula y un buey...ajenas a lo que pasa pero dando un calorcillo agradable. Creo que la clave de poder disfrutar uno de estos cuadros sin caer en lo que ya conocemos de sobra esta en dejarse llevar por la descripción de los olores de la escena, de los posibles sonidos de la noche. Quizá tratar de imaginar al pintor delante del cuadro. No aparece en la obra, pero está allí, como invitado accidental. Solo con dedicar unos minutos así, a una escena de la natividad nos hace disfrutar de la escena. Creyentes y no creyentes de todos los tiempos, se han rendido a los pies de estos cuadros. Por descontado que además están pintados de lujo. Feliz Navidad

El Artista es, lo que no es...

2008-12-17T13:43:00.000-08:00

Una idea sencilla para reflexionar es la de buscar aquello que nos define y lo que no. Resulta que en lo bipolar, encontramos lo que somos y lo que nos somos. Me explico. Si tomáramos cualquier currículum de artista con sus exposiciones, premios, etapas y demás y lo pudiéramos contrastar con lo que sabemos que no consiguió, entonces se cruza realmente la totalidad de lo que le define.
Al dibujar del natural se puede dibujar una forma, por ejemplo un brazo apoyado en un costado. Dibujaremos los contornos de lo que define el brazo. Pero ¿que pasa si dibujamos lo que no es brazo? ¿los huecos entre el costado, el brazo y el antebrazo? Seguro que acabamos teniendo el mismo resultado. Es parecido a cuando decimos jamón repetidas veces jamón jamón jamón jamón jamón .... al final estamos diciendo Monja. El "contracurriculum" es un ejercicio estupendo de humildad para académicos y autodidáctas. No lleva a engaño y pone al artista ante sí mismo con lo que es. En potencia y en efecto. Tal vez puede ser positivo no haber sido seleccionado en algo completamente opuesto. Algo que supondría un movimiento en falso. podemos ver como ejemplo pues:

Concursos:
1996 No seleccionado en el premio L`oreal
1997 No seleccionado en el premio BMW
1998 Obra devuelta en el concurso ABC de artes plásticas
1999 Solo finalista en el premio Nacional de Pintura Villa de la Guardia
2000 Casi seleccionado en el premio de Generaciones de Caja Madrid
2007 Uf¡¡ casi...Finalista en generación 2007 de Caja Madrid

Y del mismo modo en cualquier disciplina.

No formación Académica:

1992 No ingresa en Bellas Artes a la primera
No acepta su admisión en Psicología en la Universidad Autónoma de Madrid.
No acepta su admisión en Filosofía en la Universidad Complutense de Madrid.
1999 No se le concede la Beca doctoral
2000 No supera el proceso de selección de Procter & Gamble.
Segunda entrevista en el proceso para agencia OBK....

Como se puede ver, este ejercicio no tiene precio. Creo que haciéndolo honestamente puede situar a cualquiera que se tenga como centro de su proceso creativo en la realidad. Por un lado lo que se consigue tiene una lectura más positiva. Por otro, lo que no , tendrá una lectura más realista sin castillos de naipes que el artista es muy capaz de hacerse en cuanto se encierra dos horas con sus obsesiones creativas. Si a este jarro de agua fría le añadimos los "lamentos" (cartas de no admisión o fallos de jurado con resultado negativo, post de noviembre) tenemos entonces una sensación de tranquilidad que reside en lo intentado que siempre es más que lo no aventurado. Sobre todo lo veo positivo para hacerse más fuerte o más independiente de uno mismo.

La casa de Dalí en cadaques

2008-12-16T08:45:00.000-08:00

En Cadaqués, una aldea pesquera, Salvador Dalí y Gala montaron su casa. La idea en origen fue comprar una casita de pescador. Poco a poco fueron anexando 7 pequeñas casas en las que cada una se transformó en una habitación. La casa madre, la mas grande generaba un entramado de pasillo pequeños y estrechos. Al visitarla encuentras numerosas zonas diseñadas para vivirlas como un espacio especial. La sala de descanso de Gala, el comedor, los dormitorios...todo es un viaje a la mente mas intima de la pareja. Cada muro tiene unas pequeñas ventanas de cristal no abatible, que son como cuadros vivientes. hay puntos desde los que se puede ver un paisaje perfecto. El estudio es de una inteligencia asombrosa. El pintor no se mueve en escaleras ni en caballetes. es el suelo el que se abre haciendo con poleas que el cuadro suba o baje a la planta sótano , por la que luego las obras salen. Es como un nacimiento del interior de la casa a la calle. Cada cuadro sale como si de un parto se tratase. El jardín esta vivo, y o porque tenga árboles (algunos olivos) sino por que esta lleno de esculturas y demás objetos enormes. En algunos casos puede ser el jardín de un chamarilero. en otros...el de un coleccionista de objetos qeu hacen pensar. El tema es como seleccionarlos. Hoy en día mucha decoración viene de este tipo de recolectores y las tendencias se aproximan mucho. Para mí el "objeto fetiche" tiene su apogeo en la casa de Dalí. Animales disecados, maniquies, espejos y menaje de lo mas variopinto. Todo ello aderezado por un entorno modificado , no creado de cero. Contiene mucho sabor, las almas de los pescadores que habitaron los muros antes que el pintor y su musa. No es necesario empeñarse en hacerlo todo de cero, se pueden hacer fortalezas de talento desde lo que otros ya han empezado. Esto incluye cuadros , esculturas y todo.

La muerte y el arte

2008-12-10T14:38:00.001-08:00

A lo largo de la historia del arte la representación de la muerte ha tenido infinidad de representaciones. Desde los diferentes dioses de la muerte, los cuadros de pintura docente como los de Valdés Leal y toda la iconografía religiosa que trataba de explicar la muerte con sus aspectos positivos y negativos para los creyentes en el más allá y los no creyentes en el más acá. La muerte genera uno de los grandes temas de la filosofía y el arte. La muerte es tiempo. Para mi la muerte en el arte, hace tornar a sedimento de memoria y algunos objetos que desaparecerán con el paso del tiempo y que por supuesto son las inmortalidades de cada uno. La muerte genera gran número de contradicciones. Realidades 100% seguras (todos los seres humanos moriremos) e inseguridades 100% absolutas (alguien nos recordará?) en nuestro caso, una pregunta. Los artistas ¿son inmortales?
Si miramos los periódicos con atención , podemos ver una vez al mes alguna noticia sobre Picasso. Lo que sea, una exposición, un libro, alguna pieza encontrada, un escándalo, un robo de obra, algún rasgo de carácter, alguna película, la influencia de éste sobre otro artista... miles de posibilidades a multiplicar por n. Pero son realmente las piezas que quedan inmortales? y me refiero Picasso porque lo considero el más grande. Todo lo que tocó lo convertía en "oro" o en "mierda" pero decidía sobre el asunto. Cuando Picasso empezaba, en su época había artistas que gozaban de una fama impresionante, y hoy son totalmente desconocidos...eso ha pasado y pasará siempre. Por muchas urnas de protección en las que pongamos las piezas de Leonardo, o por todo el cuidado que pongamos en mantener la Sixtina con los frescos de Miguel Ángel...esos pasarán, se caerán, el tiempo eterno lo destruirá todo. No es alentador desde el punto de vista de apoderarse del futuro. En el arte contemporáneo de hoy en día, de lo que el artista se apodera, es del presente de crear la obra, el aquí y ahora. Quizá por extensión y normas de consumo, el visitante o receptor le prestará algo de su tiempo, pero todo será poco, por eso hay que disfrutar el arte de hoy con un "tempo" marcado entre una experiencia artística y otra. La eternidad esta en el cielo, el arte esta para disfrutarlo un tiempecillo .

Los años ochenta en Madrid

2008-12-07T01:32:00.001-08:00

El Arte de nuestro tiempo , resulta heredero del pasado, aunque se oponga o lo niegue. En los años ochenta, surgen en Madrid infinidad de artistas que vienen a cubrir una necesidad. La sociedad del momento necesita producir y consumir todo tipo de lenguaje. Lo anquilosado y gris se ve envuelto en el colorido del eclecticismo, o estilo de los estilos. En los años ochenta las vanguardias parten de un triángulo amoroso que es la publicidad, el diseño y la moda. La fantasía y la imaginación pasaron a ser puntos cardinales de una nueva comprensión de la realidad. No veníamos de la guerra pero si de un periodo coartado y sesgado . Los bancos, las empresas que empezaban a gozar las mieles de los libres mercados necesitaban potenciar las instituciones y crear un consumo de arte. Nace ARCO, la feria de arte contemporáneo. Las galerías y los fondos de arte de la fundaciones. En ese eclecticismo se genera un clima intelectual muy atractivo pues es joven, desenfadado y en el caso de la pintura es un billete de ida hacia el exterior. Por otra parte España se muta a un estado aconfesional y la pintura religiosa , casi desaparece. Las exposiciones despiertan asombre o de nuevos lenguajes, por tanto se masifican. El arte se profesionaliza y genera un estilo y forma de ser de la realidad social española. Autores muy jóvenes como Barceló, José María Sicilia, Broto, Guillermo Pérez Villalta, son los más conocidos. También están mis favoritos de aquella época Carlos Alcolea y Manolo Quejido, Eva Lootz, y Adolfo Schlosser. Aquello si que fue un todos a una, había sitio para casi todo le mundo y en especial para galerias como Amadis-Daniel y Buades, esta última la mejor galería que hubo por Madrid hasta su cierre en 2003. Aquello fue un movimiento de arte, para mi el último conocido en España. Antecesor de lo ocurrido luego en Inglaterra y en las bienales. Hoy no veo nada parecido. Mucho individualismo y poco apoyo a los grupos.

Tortilla sin patatas

2008-12-03T12:46:00.000-08:00

En la situación actual del arte, como he podido repetir en varios post, nada es azar. Si miramos atrás vemos como hay sucesivas explosiones artísticas en momentos puntuales.
Por ejemplo en Europa , concretamente en Alemania es fructífero el periodo de entre guerras. los artistas jóvenes que acabaron en las trincheras de la primera guerra mundial, comienzan a expresarse de una forma contundente en el nuevo expresionismo alemán. Esta corriente fue llamada "la nueva objetividad", y definía el expresionismo en la pintura como decía Juan Eduardo Cirlot:"El expresionismo en si es el arte producido por la inserción desbordante del principio de expresión. Debe entenderse por expresión, la emergencia de lo patético, creciendo como oscuro incendio desde los abismos del ser hasta la superficie de los actos y sus manifestaciones. La fuerza palpitante, angustiada y existencialista de la vida es transportada por los artistas de esta corriente a sus obras, despreciando sensaciones epidérmicas para comunicarnos sentimientos y vivencias intimas" .
El grupo alemán "el puente" rezaba así en su manifiesto fundacional en 1906 "con la fe en la evolución, en una generación nueva, tanto de creadores , como gozadores del arte. Convocamos a toda la juventud y como juventud que porta el futuro, deseamos procurarnos la libertad de brazos y de vida frente a las fuerzas del bien establecidas y los mas viejos. Esta con nosotros todo el que refleja, directamente y sin falsearlo, aquello que le impulsa a crear" .
Lo que dijeron Ernst Ludwig, Kirchner, Fritz Bleyll, Erich Heckel y Karl Schimidt-Rotluff acabó en la guerra con capacidades muy dispares tras los impactos visuales del horror. Lo vivieron como tortilla sin patatas de post guerra. Cada uno acabó como pudo. El estado de animo influye en las obras, pero más lo social alrededor del artista, sino en mi opinión se queda en egocentrismo. Cada Biografía es un mundo.
Aquellos pintores quisieron vivir, no sobrevivir. Esta circunstancia se ve día a día cuando prolifera cada vez más el consumo de marcas blancas en los hiper mercados. De la pintura alemana de ese momento que bebió de todas las fuentes de experiencia, nació lo que luego en los 80 en España llamamos eclecticismo, o estilo de los estilos. De los momentos de crisis surge la capacidad creativa, por ejemplo la famosa tortilla española sin patatas de los tiempos de post guerra. A ver que sacamos de esta crisis

sobre el NET ART

2008-11-27T03:32:00.000-08:00

Esto puede llamarse todos a una. Cada día abrimos el ordenador y ahí lo tenemos, el mundo. Lo virtual ya no es tanto. Como algunos de mis pocos lectores (básicamente dos) comentasteis algo, aquí tenéis algo sobre el net art. Como vemos esta en constante crecimiento y se redefine en cada creación. Los lenguajes que se emplean suelen ser interactivos y dios sabe por donde puede evolucionar...creo que es el inicio de las redes sociales, antes de las modas actuales. Engloba un todo incontrolable y se hace más útil como productor que como repositorio de las obras que se producen en el estudio. Yo soy más analógico, aunque trabaje virtualmente para sacarme las judías. Prefiero mancharme las manos, que se le va a hacer. Lo bueno es el todos a una y la mínima producción. Los gastos se abaratan, cualquiera puede opinar. Quizá es lo más parecido a "el jardín de las delicias" de El Bosco. Todo está ahí.

Monstruos de lo cotidiano.

2008-11-26T08:28:00.000-08:00

El arte es capaz de generar monstruos que pueden ser hermosos. Solo que hay que descubrirlos.
Por ejemplo si retomamos la historia de Dédalo, cuando este crea un ingenio para que Pasifae engendre al minotauro, nace Astenio. Como es un monstruo, el rey Minos, le pide que diseñe un laberinto y oculte dentro al ser deforme. Resulta que es un horror, hay que recorrer con temor el laberinto y encontrarse con él. El proceso de recorrido del laberinto es lo hermoso. Aunque luego la sorpresa de la bestia sea terrible. Este es el proceso creativo, construir monstruos de la mano de la pasión (Astenios) ocultarlos y hacer que otros los encuentren. Por eso hay que ver las piezas de una exposición en conjunto. Por eso hay que consumir el arte de modo descriptivo. Por eso hoy en día los artistas abren las ventanas de lo bello y lo terrible, porque es lo que se vive, y en esa fricción se genera el calorcillo del que ya he hablado.Si visitas el museo de Figueras de Salvador Dalí, puedes encontrar miles de monstruos informales en su día que rompieron y hoy siguen rompiendo. Muchos de estos son ingenios como los objetos imposibles de Carelman, teléfonos bogavantes, hologramas y demás…todo muy museístico. Hasta el artista muerto en su tumba. Pero es más interesante la casa de Portligat que esta llena de ingenios, en un laberinto a recorrer. Dalí creó monstruos bellos. Desde piscinas con formas sexuales, hasta espejos para ver amanecer desde la cama… Me gustan más porque están rodeados de lo cotidiano. Son elecciones del día a día del artista

Dos apuntes sobre Arte y Sociedad

2008-11-17T14:24:00.000-08:00

Vicente Aguilera Cerni "el arte es un fenómeno de la vida, una emanación, un "además" sometido al hombre que lo produce. Esta condicionado por la verticalidad histórica y la horizontalidad de su entorno social. El arte es el único, o de los únicos elementos informadores de las comunidades sociales desde el principio de los tiempos. La necesidad del arte no es un producto de las condiciones económicas. Tampoco es la economía la que produce la necesidad de alimentarse. La necesidad de alimento y de calor crea la economía"

Por mi parte, y ahondando con la brevedad que me impongo en estos escritos, creo que ante nuevos problemas de difusión de la obra propia, hay nuevas soluciones. Ante nuevas formas de definición institucional, nuevos medios de difusión virtual, como las redes sociales. Ante un mercado dudoso que apunta a las inversiones de "futuros" como lo pueden ser los de carteras de bolsa, yo creo en un mercado con los pies en la tierra, de sentimientos de presente que relacionan al artista con su tiempo y su entorno. Hay pocas sixtinas por pintar hoy en día, que se lo digan a Barceló que lo acapara todo y me entusiasma.
Aparte de esos grandes proyectos, hay lugar para ser el artista del pueblo, del barrio, o del bloque de vecinos en el que se vive, es menos suculento económicamente pero puede ser profundamente universal. Hoy el mundo es un pañuelo...pero ya no tiene mérito, que alguien se lo diga a los creadores de Facebook...

Lo que le pasa al artista y l o que representa en sus obras.

2008-11-16T15:05:00.000-08:00

solo voy a comentar un par de párrafos sobre lo que afecta el día a día en la obra. Quiero continuar en la linea que empecé en el post anterior sobre lo que a etapas en la vida de una artista se refiere. Cuando no duermes, cuando tienes hambre cuando te deja alguien querido, cuando ...vives, todo te afecta. Es el pulso que mantiene cada día en su afán, así como el pulso cardiaco. Hay artistas que en etapas de tormento fragmentan sus representaciones como David Hockney en la década de los 80. En esos años pierde a muchos amigos víctimas de SIDA, y como gran retratista, se ve incapaz de pintarlos como antes. Creo que sufrió en cierto modo una mutilación pictórica en esa etapa, que se vio fortalecida por los collages de rostros o composiciones fragmentadas.
Otro caso que nos sirve de ejemplo puede ser la etapa de Duchamp en la que se explaya con "el Gran Vidrio". Como esta pieza da para mucho, solo puedo contar de momento que tardó siete años en realizarla, y que el resultado final es la suma de un montón de "vengo porque me he ido" del autor. Ambos casos son el fruto de la interacción en la obra de la vida presente (en ese momento) de los creadores. Llevado a un plano sencillo creo que tiene una lectura en espiral muy suculenta.

Lectura lineal y lectura espiral

2008-11-13T15:21:00.000-08:00

Algo sobre la trayectoria. La continuidad en el ir y venir de la obra del artista. No se como ponerlo de otro modo. Me explico centrándome en la pintura. Cuando un artista evoluciona en una etapa, se centra en aquello que le motiva, en lo que le esta gustando representar, en sus retos, o en sus incomprensiones. Esa situación de evolución por etapas se vio de manera muy consensuada en las explicaciones sobre la trayectoria de Picasso. Etapa rosa, azul, cubismo, expresionismo….etc. y estando de acuerdo en su existencia, a mi me enriquece más verlo como un todo, un conjunto no lineal. No veo su obra como una línea en continuo, sino como una retícula o cuadrícula en la que todo afecta a todo. En el caso de la física del color, hay un concepto asombroso que me gusta tener presente. Ese hecho se denomina Interacción del color. Esta tesis confirma la afección de los colores según están unos al lado de otros. Por esta norma un color amarillo por ejemplo, no lo percibiremos igual si esta junto a un negro que si esta junto a un verde. Los matices los dará la mezcla óptica. Con cualquier paleta de color de ordenador lo podemos comprobar. Con la obra de los artistas pasa lo mismo. Lo difícil es que todo tenga coherencia. Esto no quiere decir que sea todo igual, pero que se lea de modo coherente. La diferencia es la de una mera exploración y estudio previo e inconcluso, o por el contrario un estadio superior de producción artística. La primera pone al supuesto artista en una autocrítica lineal de hechos consumados, la segunda en una autocrítica que crece en espiral interaccionando cada paso no solo con el anterior y el posterior, sino con todos los que le rodean.

Tensión y permanencia

2008-11-12T06:31:00.001-08:00

Por un comentario al anterior post me he animado a ampliar algo (muy breve como siempre) un concepto dentro de toda obra de arte: la Tensión.
Hoy en día lo podemos ver de una forma útil, como lo usan los guionistas de series de TV. Genero muy exitoso en los últimos años. De hecho uno de los pocos géneros culturales que importamos de los USA. A ver si con Obama exportan más cultura de esa que eran capaces de hacer en los 50…
Bien el caso es que toda obra de arte tiene esa tensión, una sinfonía o pieza clásica, en su recorrido mantiene tensiones, toda obra de teatro, poesía, la escultura no digamos… Para ejemplo podemos ver el cuadro de “La balsa de la medusa” de Theodor Gericault. Para mi es una obra eterna, cuanto más la miro, más puertas abiertas deja. Pero la obra esta terminada, no hay un cuadro 2ª parte. Puedo pensar en el futuro o pasado de cada uno de los personajes que aparecen. La cuestión es si puedo llegar a sentir lo mismo con los cuadros de Mark Rothko. Pues definitivamente si. Me puede ayudar a verlo el hecho de entender la obra (cada cuadro) como parte de un todo. Es decir los artistas conciben su trabajo como un fragmento del devenir en el tiempo de sus creaciones. Exactamente igual que en el pasado. Para muestras un botón: entre el fresco del techo y el frontal de la Sixtina de Miguel Ángel, hay más de 20 años de diferencia…

Sobre la inspiración y utilidad del arte

2008-11-10T12:31:00.001-08:00

Hoy seré menos denso que en el último post en el que creo que metí a mis pocos lectores en un charco del que puede ser complicado salir si no se sabe sobre que piedra apoyarse.
Hay un término muy manido en el arte que parece la excusa de todo proceso creativo. La “inspiración” frases como “estoy inspirado” siempre me han sonado un poco cursi y de hecho nadie las dice pero se sobre entienden. Creo que en el arte la inspiración supone más un estado de animo, como estar en racha. Algo más o menos parecido a una buena mano de mus o de juego de cartas. Para mi es muy parecido a uno de esos días de verano en los que o bien no has dormido nada o bien, has madrugado, y notas que sale el sol poco a poco. Aun hace frío, el aire esta húmedo y estas en el campo con ganas de pasear. La inspiración decía Cela que tiene que venir con el lápiz en la mano, es decir, trabajando. Si despreciamos el arte de concepto con tanta facilidad y juicio, a lo mejor nos tenemos que preguntar la finalidad de ese tipo de arte. Como decía al final del anterior escrito, el arte hoy en día no pretende ofrecer respuestas, pretende generar preguntas.
La respuesta finiquita, la pregunta abre puertas. El público, no es receptor, es confrontador y emisor de esas ideas. El arte es espejo y cuando se llega a esto, se pierde la importancia de la obra. Queda pues en el almacén de algún museo, o fundación, o cualquiera que pagase por encajarla con calzador en otros intereses relacionados con los impuestos de su empresa. Incluso en el trastero de los artistas. Pero eso no quita que la obra sea de éxito para aquellos que la vieron y vivieron en el tiempo de su exposición.

Interior, exterior, y arte encontrado

2008-11-07T15:57:00.000-08:00

Cuando no se consigue lo que se quiere, por lo menos se obtiene la experiencia. Esto me lo repito cada vez que afronto un reto y no lo supero con el supuesto éxito. Por otra parte hay que saber que un currículum esta lleno de vacíos, es decir de aquello que no se consigue. Más aún, el mundo esta lleno de "no-doctores" en todo. Creo que esto en el arte se plasma muy bien en los concursos. Puedo no ganar tal o cual concurso, pero eso me construye igual, y me forja del mismo modo. O ¿acaso el interior de una casa no se construye por la corteza o los muros que la contienen?
A mi me apasiona la colección de cartas en las que no me aceptaron en tal proceso de selección , no gane tal concurso o me negaron esa beca deseada....es más tengo dos cartas de admisión en facultades en las que no quería estudiar. Un ejemplo clarísimo de esto son varios de los cuadros más simbolistas de Rene Magritte. Aquellos en los que aparecen mujeres con el rostro tapado por un pañuelo. Estos responden a un trauma de la infancia del pintor, que vio como su madre se suicidaba arrojándose a un río y aparecía arrastrada por la corriente con un pañuelo en la cara. Los cuadros están ahí, son muy hermosos y la experiencia (dolorosa) le brindó esa imagen.
Si esto es tan fácil de entender, porque los artistas de "Sensations" (Sotheby´s, Londres 90´s) nos cuestan tanto. Cuando hacen con tiburones en formol, sus trapos y personajes desmembrados por los suelos, y los miles de Ready Made no son más que experiencias representadas o revividas. Quizá la clave esté en llevar al interior lo que ocurre en nuestro exterior cercano y real, y solo así plantear nuestros inventos de Dédalo o proyectos de artista.

Supuesto: no soy artista pero me gusta de vez en cuando llevar amigas a exposiciones para ligar... en ese caso solo con describir lo que tienes delante (la pieza de arte) y llevarlo a tu realidad cotidiana, ganas un montón de puntos.

ventana, control de exposición y calorcillo

2008-11-06T07:33:00.000-08:00

Anoche vino a casa a vernos mi amigo Suso. Cenamos los tres y visionamos su último corto, en el que he tenido la suerte de colaborar.
Suso es director de cine. Un tipo muy inteligente, con mucha vocación e inquietud hacia lo que hace. Me explicó un hecho diferenciador entre el cine y la pintura o el arte visual estático. El caso es que cuando uno mira un cuadro lo puede mirar todo el tiempo que quiera. Las imágenes que este le reporte, sea del tipo de pintura que sea, son añadidos por parte del consumidor, o "disfrutador". En el caso del cine no es así. Lo filmado y mostrado siempre estará en manos del director-montador. de ellos dependerá cuanto de la escena te quieren enseñar. En esa línea, el artista, como dice el escultor Jaume Plensa, mantiene un calorcillo en el proceso creativo. la inquietud o interrogante, mantienen vivo al artista como si de una incubadora interna se tratara. No llegan a la obra total hasta que se mueran, porque ese calorcillo se mantiene mientas se produce. No hay tiempo de vacío peor que cuando no se está con la cabeza caliente, tratando de resolver los ardides que uno se pone. Por eso pintar o, el tiempo de pintar un cuadro o una obra es tambien leer, investigar, todo aquello que sin verse, está en el cuadro. Como me dijo una vez Rafa Hidalgo de Caviedes, "pinta una feria hiperrealista, que si el cuadro no huele a churros con chocolate de la churrería que no esta pintado en el cuadro, no será una buena obra "

Galería de Retratos 1999

2008-10-30T15:49:00.000-07:00

La idea era muy simple, como llevar al final del siglo xx la técnica de Leonardo da Vinci del "esfumato" hacerlo inmediato y con la posibilidad de ofrecer a cualquiera disfrutarlo.

En el año 99 nos conjuramos un grupo de amigos artistas en una exposición con las primeras instalaciones que habíamos pensado y madurado durante unos talleres del círculo de Bellas Artes de Madrid con Daniel Canogar. En el tema de las instalaciones enseguida me sentí cómodo. Es un ámbito en el que Dédalo se movería como pez en el agua (a pesar de poseidón claro) Bueno el caso es que mi instalación la montamos en una sala de 50 m2 con diez cuadros en los que el visitante se reflejaba al acercarse . Según se plantaba delante de una tela o de otra, y según ésta le alumbraba mediante un sistema de luces, se le iluminaba el rostro o bien el cuerpo entero y podía apreciarse tal cual la técnica del Esfumato.

Esto que parece tan fácil me costo dios y mucha ayuda (varias noches de trabajo ) pintarlo diseñarlo y conseguir el resultado deseado. En fin que tras diez años, aquí estoy desde la fecha, creo que la pieza sigue en vigor y eso no pasa más que con las piezas más sencillas. Con aquellas en las que se da en el hueso de la risa o se pone el dedo en la llaga. tengo un amigo psicólogo, que dice que hay que ponerse delante de un espejo, de cuerpo entero y a poder ser desnudos cada diez años. De este modo uno ve como madura o se deteriora y pasa el tiempo por encima. Con las obras de arte pasa lo mismo, el tiempo puede hacerlas caducar o bien darles una renovada visión en los ojos del espectador.

El arte es como decía Warhol una secreción corporal y puede ser agradable , o no.

Eupalinos o el arquitecto. Ni Pepe gotera ni Otilio

2008-10-30T13:38:00.000-07:00

Paul Valery en uno de los pasajes de su libro "Eupalinos o el arquitecto" nos muestra a un joven Sócrates que pasea por la playa para pensar. De uno de esos paseos, a orillas del mediterráneo, se deriva una de las decisiones más importantes en la vida del filósofo.

En la orilla, abandonado por una ola , el joven encuentra un objeto no identificado...no no es un ovni, se trata mas bien de una de esas "piedras raras" o concha , o cristal.. una de esas cosas que no sabemos que es. Muchas veces podemos encontrar formas caprichosas que tiene una carga potente de misterio. En este caso , Sócrates no puede definir si es algo manufacturado y perdido de un naufragio, o si es algo ejecutado a la perfección por la naturaleza. Las manos de alguien, o la arena en una danza con el vaivén del agua, la sal y las algas o cinceles y herramientas de alfarero o artesano. ¿Que podía ser? Después de ese paseo y ante la impotencia para definir el objeto, Sócrates deja su vocación por la arquitectura y pasará a dedicarse el resto de su vida al arte de pensar. La filosofía...

El artista tiene esa curiosidad, se hace preguntas sobre los objetos, las imágenes que ve, los modifica, los transmite y crea esos ventanúcos de los viajeros forzosos de los trenes de la segunda guerra mundial. Por eso el arte tiene mucho de filosofía, de la búsqueda del por qué de las cosas, de la búsqueda de respuestas...cuanto bien esta haciendo google ¿no?

Creatividad cap.1

2008-10-29T13:15:00.001-07:00

Yo no tengo ninguna duda, la creatividad tiene que ver con lo que se mama desde pequeños. Puede venir dado por lo que supone una necesidad ante una carencia determinada, o por el empeño de nuestros mayores en aportar soluciones creativas a nuestro estar en el clan familiar. Una de las actividades más creativas y de la que más jugo se puede sacar hoy en día, es el juego. Jugando se resuelven la mayoría de los conflictos del día a día. Yo por mi parte trato de jugar al menos una hora real al día con mis hijos. No me refiero al baño, cena, cuento de la noche no, no me refiero a jugar. El juego es muy variado, puede ser constructivo, imaginativo, simbólico, etc. Por lo general depende de las etapas en las que los pequeños se encuentren. Por mi parte esto es lo más difícil, ponerse en su situación desde mi pellejo de adulto. Olvidar por una hora los ritmos conscientes del día, las necesidades, y lo que yo necesito.

Supuesto uno." No tengo Hijos" Sea pues como un niño al menos un rato al día, no sea que empiece a tomarse demasiado en serio a sí mismo.

El arte bebe mucho de aquí uno tiene o se plantea problemas de concepto, de expresión y comunicación o de necesidad de alertar de una realidad o ficción en el entorno. Piensa con que herramientas cuenta y las combina dando soluciones. Volando como Ícaro y encontrando un equilibrio que satisfaga su apetito de artista.

Voayerismo

2008-10-28T09:47:00.000-07:00

ducham

Otra de las formas de percepción más común en esto del arte, es el voayerismo. Se trata de ver mas allá de lo que los límites normales nos permiten. Es curioso como en su día la pieza Etant donnés de Duchamp, fue de lo más salvaje y comentado en sus días, después y hoy incluso. La pieza consta de una caja enorme en la que solo podemos mirar por un ventanuco. dentro se representa una escena bastante surrealista y mas bien desagradable. Un cuerpo de mujer entre unos arbustos con una lámpara y con un paisaje al fondo. El caso es que en ese tipo de espacios expositores, se da una situación de ídola, en la que el cazador es cazado. El mirón es mirado.

La necesidad de ver lo que hay al otro lado del ventanuco, cerradura o simplemente lo que no está al alcance es tremenda. La pieza de Duchamp en esa época solo se podía ver insitu. Las fotos no dan una visión global del asunto. Un cuadro hay que verlo. Contarlo o verlo mediante foto se queda corto. Los cuadros huelen.

Esto lo he sentido más de una vez cuando he tenido la ocasión de visitar estudios de pintores. Más aún cuanto más los he admirado.

Equilibrio

2008-10-27T01:57:00.000-07:00

Cuando Dédalo y su hijo Ícaro, escaparon de Minos y de Poseidón, lo hicieron volando. Dédalo fabricó unas alas con plumas. Para unir las plumas más gruesas las ató con cuerdas de bramante. Para las plumas más pequeñas utilizó cera. Viendo su ingenio, se percató de dos leyes importantes para esta variedad de vuelo sin motor. Primero no volar bajo, pues las plumas mojadas no permitían alzarse sobre el mar. Segundo no volar muy alto , no sea que el sol derrita la cera de las plumas pequeñas y estas se desprendan. Cuando Icaro voló, se fué animando y voló tan alto que se quemó. Rompió el equilibrio perdió las plumas...y cayó. Dédalo, lloró la perdida de Ícaro impotente mientras Poseidón acababa con él.

En la creación de una obra de arte pasa lo mismo. Uno puede centrarse en una pieza y darle vueltas hasta que encuentra el camino a seguir. El problemas es que cuando uno esta en el momento algido y no concentra el final de la pieza. Es cuando te pasas de la raya y te dejas llevar demasiado. Uno puede centrarse desde el comienzo , o dejarse llevar por "lo que la obra te pida" pero lo que no se puede olvidar es el finalizar a tiempo.

"El Dédalo en la llaga"

2008-10-24T04:29:00.000-07:00

Pues en todo esto quiero poner un poco de orden a ideas, dibujos y cosas que pasan por mi cabeza de 34 años.
Dédalo según la mitología griega era el inventor. Hacía cosas para los dioses, satisfacieran sus deseos. Que en Creta Pasifáe quería liarse con un toro? pues Dédalo inventaba la forma de acoplarse y así nacía el minotauro. Que Apolo quería un templo en Sicilia?...pues ahí estaba el inventor. El caso es que este personaje era oportuno, creativo y a veces un tanto retorcido, como pasa con la mayoría de los artistas que conozco, y que no conozco.

Estando preso en una torre del rey Minos, escapó de su prisión establecida por la tierra (Minos) y el mar (Poseidón). Como no podía salir andando ni nadando por la férrea vigilancia de sus adversarios, lo que hizo para escapar, fue inventar unas alas de pájaro con ellas volar y demás aventuras que ya irán saliendo en estos post.

La intención de un artista, tiene que ser algo más allá de lo que supone dejar una huella, o un legado. No, eso es poco, demasiado egocéntrico. No es que no se sea artista por producir de esa manera, pero no son los que me interesan. Hace tiempo (ya 10 años!!) en las clases de estética de la facultad de BB.AA de Madrid descubrí una descripción que me gustó mucho más. Quizá me pareció muy rotunda y con una finalidad más útil.

El artista lo describía la profesora con un texto sobre los Judíos víctimas del nazismo. Los que eran trasladados en vagones de tren ciegos, hasta los campos de exterminio. Contaba el relato como de todos los ocupantes del vagón, tan sólo uno podía asomarse por un ventanuco y contar al resto lo que veía en el recorrido. De los que se asomaban, unos describían poco, otros demasiado, otros palabras sueltas. Los mejores en esa tarea, eran los que conseguían confortar o aportar más información útil a sus compañeros de incertidumbre. No sirve pues cualquiera.