El estudio perfecto

En estos días acabo de terminar de acomodarme en mi nuevo estudio. La verdad es que esta es la quinta ubicación fija que me organizo para pintar y creo que el resultado es estupendo. En mi caso lo más normal es que termine como un enfermo de síndrome de Diógenes, con todo el espacio ocupado por hallazgos varios. El artista acumulador es muy común y suele ser todo un problema con el espacio. No sólo tienes que almacenar la obra sino que además necesitas sitio para todo el acopio de basura inspiradora.

Un caso curioso al respecto es el de Francis Bacon, no el barón de Verulam, vizconde de San Albano, canciller de Inglaterra, no me refiero al pintor expresionista, Irlandés-inglés-español 1909-1992. En su estudio almacenaba una pila de recortes, papeles sucios y toda clase de porquerías. No sé ni cómo entraba.

Pero claro si me pongo a describir los objetos que me han inspirado, la lista me resulta apasionante:

Una piedra de Lanzarote

Una figura de un grifo dorado (me refiero al animal mitológico)

Una calavera de madera de 5 cm de alto

Una lámpara de aceite traída de Jerusalén

Un destornillador de hierro forjado de Sheffield, acompañado de un formol

Tela de tarlatana

Una caja de latón con una cuchilla de afeitar antigua.

Una lupa de mesa

Un candelabro

Una figura de la torre Eiffel

Una cinta de la medida de la Virgen del Pilar

Cinco carnés de estudiantes, federaciones deportivas y abonos transporte caducados

Una plomada profesional,

Una cadena de soldado.

Cuatro libretas llenas de pensamientos

De los libros mejor no hablamos

Una Zampoña peruana

Algún juguete de la infancia (click o algún guerrero imperial de stars wars)

Como hacer frente a eliminar estos tesorillos?? No se puede, todos tienen una utilidad infinita. Serán útiles para alguna pieza venidera.

Bueno el caso es que el estudio perfecto es el que mejor se adapte a las necesidades de uno. En mi caso necesitaba una distribución de las cosas que me obligara a ser ordenado. Obviamente no dispongo de mucho espacio, así que si tengo 6 metros cuadrados , tienen que ser lo más dinámicos posibles. Al fondo de la habitación, frente a la ventana, he colocado una mesa de 50 cm de fondo , por 100 de ancho. Es ampliable a 100x100, lo necesario en “cerrado” para el pc y en “abierto” para poder dibujar leer o escribir. Al finalizar su uso en abierto hay que obligarse a cerrarlo, de lo contrario es un lugar de sedimentación seguro.

A la derecha de esta ocupando el espacio restante hasta la pared, un mueble verdulero. Una estructura con ruedas de superficie 24x40 cm, unos 70 de alto y tres cajones. Modelo Antonius de la tienda ikea.

En la parte superior coloco los pinceles y la paleta (me gusta de cristal, se limpia muy bien con una cuchilla). Debajo pongo las pinturas y pinceles a uso en el primer cajón, las herramientas barnices y demás usos próximos y por ultimo la cubeta con papel y trapos. No hay que llenarla mucho para que no pese al moverla por la habitación.

En la pared contigua el caballete (con ruedas por supuesto), nada más que el lienzo que esté trabajando y detrás un tablero para dibujar sobre papel. En el tablero pondré cuatro pinzas para sujetar el papel y una hilo de bramante que me sirve de guía.

La habitación tiene un paso más estrecho e impracticable para trabajar, así que lo empleo para poner una estantería con puertas. Las puertas son fundamentales, de lo contrario cada cosa que me encuentre la pondré allí y termina siendo una colmena de restos apilados.

Las luces, de neón (día) en el techo y un flexo en la mesa. Todo muy austero. Y no se me puede olvidar, en la pared dos planchas para imanes en las que colocar los papeles a modo de cartelera.

Finalmente la silla de trabajo, solo una, tanto para la mesa como para el caballete. Con ruedas y lo más cómoda posible.

Nada más, ni un cuadro en la pared, si acaso alguna foto.

Con esto puedo estar muy cómodo con cada cosa en su sitio. La premisa es cerrar todo al finalizar la sesión, y tirar todo aquello inspiratorio que no he usado en los últimos seis meses.

Ya estoy trabajando en él. Un saludo

El bloqueo y su extinción

para componer algo desde la nada, hay que plantearse lo primero una cosa importante. De la nada no se parte... es mas difícil hoy en día ser un Picasso. Ya hay de todo, aunque a veces sean ruinas. Así recurrimos a aquello de pensar que "el que tuvo retuvo". Y es en esta situación desde la que hay que partir. el proceso creativo esta en todos los movimientos que se hacen para tirar del hilo . descubrir un punto de partida bueno , es quizá uno de los planteamientos más difíciles que hay en el arte. Las situaciones de bloqueo a las que uno se puede someter, hay que verlas como preludio de una explosión creativa. y es en eso de darse cuenta en lo que se pierde más tiempo.

Hay dos posibilidades de afrontar ese momento, desde el miedo, tremendo paralizador y desde la libertad de uno mismo. Hacerse libre de uno mismo. La primera, el miedo ante el proceso creativo, es muy clara. El miedo bloquea, paraliza, y destruye toda iniciativa. Además el miedo se presenta en muchas ocasiones, como una vacuna contra la temeridad. Si uno se lanza con cualquier cosa que se le viene a la cabeza, puede ser víctima de si mismo, de un mal enfoque o de un narcisismo sin espejo del que luego es muy difícil desprenderse. Por otra parte el miedo también aparece en el proceso creativo visto en positivo. El miedo pone en alerta, despierta los sentidos, pero solo hacia adentro, a proteger. En ese punto, si uno es puerco espín ahuecará las púas, si uno es perro se agachará en una esquina, si es un gamo correrá como alma que lleva el diablo....uno se pone a la defensiva y al igual que en el fútbol, el equipo que se cierra en defensa, hace unos partidos tan eficaces como aburridos. Casi nunca ofrecen nada que toque a la afición.

Por otra parte esta el ejercicio de hacerse libre de uno mismo y rebuscar un poco entre los escombros propios con carro de chamarilero. De esos carros en los que cabe muy poco, sólo lo que se pueden llevar en el día, no más. Esta gente rebusca y encuentra los materiales que la calle les da. por un lado se llevan lo que pueden , pero seleccionan entre eso lo mas pesado, lo de metal mas caro, (no es lo mismo un hilo de cobre que de aluminio). No son basureros ojo, son chamarileros. Tienen sus propios filtros de selección. El artista bloqueado que se libera de si mismo además tiene que contar con el apoyo de otros, si estas solo a estas alturas, date por jodido, porque te conviertes en lo peor de los autodidactas, que suelen creer que sus pedos huelen bien. No hay que tener a quien llorarle una obra, y si es posible a más de uno para así poder contrastar la obra con varias opiniones.

Hay que encontrar ese hilo del que tirar, y seguirlo salga el sol por donde sea porque si uno honesta mente ha tratado de sacar de si el mayor jugo posible del trabajo propio, lo que venga será así.

Por último hay que ser mínimamente coherente. Los mamíferos se dividen en dos grupos, los que cazan, y los que son cazados por esos... más o menos. El caso es que unos , los primeros tienen los ojos situados en la cara, de frente, mirando hacia delante. Los segundos tienen sus ojos a los lados, para poder tener un campo de visión más amplio y poder percibir el ataque de los depredadores lo antes posible. En momentos de desbloqueo, hay que saber que visión tenemos, la que ataca de frente o la que percibe en panorámico. Las dos son necesarias, pero a cada una su momento.

Copiar y pegar

Ayer me pasó un amigo un vídeo en el que un grupo australiano representa con cuatro acordes 35 de los mejores éxitos del rock actual. Apare de tener mucha gracia en sus cosas, estos tipos sintetizan muy bien el “copy&paste” en la creatividad. Quizá suena a denuncia, pero creo que es un buen ejemplo de lo que se puede hacer mirando a los demás. Evidente mente sin talento resulta difícil proliferar tan solo con la técnica de copiado. Es como me contaba otro amigo, si viene el diluvio universal y alguien dice “me voy a salvar”, y otro llega y le dice “pero si no sabes nadar” y el primero le contesta… ”no… he hecho un cursillo por internet y he practicado sobre la alfombra…” con la técnica de copiado-maquillado se llega , pero no muy lejos…los recursos se van agotando. Sirva de ejemplo musical este vídeo de un grupo australiano “Axis”.

Los cuatro acordes de los que hablan, son el inicio canon de “Pachelbel”

http://www.youtube.com/watch?v=5pidokakU4I

Otro ejemplo es el de la Disney con el Copy&paste. Aunque en este caso es un homenaje y la verdad es que muy bueno por parte del que lo ha editado.

http://www.youtube.com/watch?v=vh84g8rC2oA

En el arte plástico (pintura) esto pasa mucho. Abiertamente se homenajea a predecesores abiertamente. Cuando es copia , como ejercicio de copia y cuando no?... dilema planteado.

Por ejemplo, la relación entre Picasso y Braque, los homenajes de Sigmar Polke a los aguafuertes de Goya, los geniales cuadros de Manolo Quejido, tras la estela , más refinada eso si de Philip Guston…y así miles y miles de relaciones entre artistas. Continuará

Ojos brillantes, oidos que brillan...

Bueno la verdad es que cada vez se espacian más mis reflexiones en abierto en este blog. No me da la vida...pero de vez en cuando si que disfruto de lo que me pasan los amigos y esta es una de esas ocasiones en las que he disfrutado mucho. Por el trabajo estoy metido en lios de innovacion tecnológica, redes sociales, y demás relaciones vía red, por las que veo como el arte ya está completamente globalizado y no tiene excusas el creador para mover su trabajo. Otra cosa es el refrendo que se quiera conseguir. Ruido, vistosidad, lo que sea, los argumentos en la red pasan al público en cuestión de de segundos. Sólo hay que darle a "intro" y ya está.

Me pasa algo con la compresión del arte que tiene que ver con esto. El otro día debatíamos un amigo y yo sobre la obra de un artista bien conocido y con puntos dispares llegamos a una conclusión común muy importante. El artista que nos gusta, es el que crea objetos nuevos, no solo combina objetos ya existentes aderezados por salsas mas o menos cultas. En esa línea de crear algo nuevo , una pintura, una escultura, me llega este maravilloso vídeo sobre la comprensión y el disfrute de la música llamada culta(música clasica). Os dejo el vídeo que es mucho más interesante que lo que pueda yo decir y asumo un pequeño reto de llegar a una analogía en esta línea con la pintura ... ahí es na. Que lo disfrutéis

Benjamin Zander en ted

Casas de pintores, el jardín del conocimiento.

Después de un año largo de espera, hemos vendido nuestra casa. La cosa tiene miga pues en estos días que corren en plena recesión económica no ha sido fácil. Por suerte y por santa paciencia, la cosa ha llegado. El caso es que nos vamos a trasladar a una casa un poco mayor en la que pode tener un espacio mejor para todos, y para poder tener el estudio en el que trabajar.

Las casas de los artistas tienen algo en común, la atmósfera. Una de mis pasiones es visitar casas museo de artistas, y he tenido la suerte de conocer algunas, como la de Dalí en Cadaqués, Cesar Manrique en Lanzarote, la casa Unamuno en Fuerteventura, la de Sorolla en Madrid, la de Picasso en París... varias de artistas que se han convertido en pequeños o grandes museos por su actividad cultural. También pude estar una vez en casa de Daniel Canogar, o de Rafael Hidalgo de Caviedes, o la casa del tenor Aquiles Machado.... todas ellas con atmósfera. Bien porque como un tonto en aquellos días me quede mirando al dedo que señalaba a la luna, o bien porque realmente hay algo en ellas, esa atmósfera, es la que reconozco hace ir mas allá de la pura estancia al espacio habitado. En las paredes suele haber prendas de amistad entre artistas, en las estanterías libros de arte, revistas desclasificadas, algunas rarezas y otros ingredientes de la ensalada que supone preocuparse por escudriñar el conocimiento. Estoy seguro de que el conocimiento artístico y en general el conocimiento cultural, es como un jardín que todos tenemos. Ese jardín goza de los cuidados que cada uno le quiera dar, abono, riego, atenciones...¿como es pasear por ese jardín? ¿cuan largo o breve se te hace el recorrerlo? Sólo dos preguntas, quizá ese paseo sea el termómetro de nuestro conocimiento y se refleje en nuestras casa, en lo intimo y lo publico. Lo importante será no tener que llegar a decir nunca "me di un paseo por el jardín de mi conocimiento, me resultó breve"

Me gusta la formula del reciclaje

Si, lo admito me gusta la formula 1. Simplemente no es mas que un grupo de niños multimillonarios, que corren en circuitos de millonarios, encima de coches que cuestan millones. En cifras, para empezar un neumático cuesta la friolera de 24.000€. Como para pinchar con una tachuela... que tiene que ver con el arte esto? pues mucho , pero con el arte de generar necesidades, espectativas, emoción, y algo con una presentación nudo y desenlace. La pole position, donde unos abusan de calidad de conducción o de coche más potente. La carrera, con las salidas, las paradas para repostar y los cambios de neumáticos, y la llegada. A veces algún golpe, otras un accidente... el conjunto es muy interesante, el negocio redondo y en el caso de este año, cortina tras cortina de humo para mantener a la afición en vilo. La de letras y letras que se han puesto sobre blanco en este año, para no contar nada. La de tontunas que se han puesto frente a las carreras de verdad... este año el campeonato ha sido malísimo como habrá sido como para que no viera ni la mitad de las carreras... En fin por lo menos he dado unas pinceladas con los peques . Este coche que hoy pongo en la fotografía esta hecho con los restos de tarjetas de crédito caducadas, tapones de botella de agua y algo de cinta americana. En fin que salvo este rato con los peques...a la porra con la F1!!!!

PD:algo colaboracional se esta cociendo, los que no leen este blog no lo pillarán desde el principio, jejeje saludos a Paco y Juanjo.

Hunga!!! Hunga!!!

Esta semana la creatividad de la etapa de barbecho pictórico en que me encuentro se la ha llevado de nuevo el colegio de los pequeños. Están montando una cueva o caverna de la era del paleolítico. Pintando las paredes como los crogmañones y enseñándoles como se vivía en las cuevas, una forma estupenda de aprender cosas viejas-nuevas. Al mismo tiempo la semana pasada nos fuimos a la Ribera del Duero a una casa rural con amigos para conocer la zona. la verdad que preciosa. Nos vinimos con el maletero lleno de palos, piedras, cortezas y yesca para hacer un poco de cosillas de estas de los primeros pobladores. El resultado es tremendamente peligroso dado que seguí las instrucciones de la serie "Erase una vez el hombre". Nada aconsejable para críos de tres años. Hicimos las flechas con ramas verdes de tamarindo, rectas, acabadas en orquillas como las de un tira chinas pero tres brazos. Colocábamos las piedras en el centro y luego las atamos con hilo de bramante. Finalmente una capa de yesca mezclada con grasa animal a modo de pegamento. Como no tenemos grasa animal por casa y en nuestra ciudad el bisonte no se deja cazar, puse acetato de polivinilo que es mas sencillo de emplear y de lavar. Por otra parte para la cueva, hemos hecho un mechero de los de la época, imitando la forma de transportar el fuego de la película "en busca del fuego " de Jean Jaques Annaud. Además del mechero paleolítico una antorcha con cortezas y mucha yesca. Como no queríamos prenderlas las pintamos con las típicas ceras Manley con algún punto rojo y naranja que representara el rescoldo y luego el humo con guata sacada del interior de un forro de abrigo. El resultado, dos tarde de trabajo con los chicos y mas excusa para estar juntos en mi pequeño mundo de momentos ideales. Hay días en los que no me importan los siete años de estudios superiores sin dedicarme en exclusiva a la producción de lo que podría ser mi obra. Simplemente me hace sentir bien hacer estas cosas "quemando todas las naves"

Entender como niños

Hoy es uno de esos días en los que todo se pone a favor desde la mañana. No importa nada, hoy entiendo el mundo. Hay una frase de no se que artista que dice que no se entiende algo hasta que no se dibuja. Me atrevo a ampliarlo, hasta que no se construye, se crea, se trata de hacer algo donde antes no había mas que un deseo. Mi hijo mediano me planteó un reto para la fiesta de haloween que se celebra estos días. No es una fiesta que me guste en especial. no la reconozco como algo de mi realidad pasado o presente. Hoy lo ha sido. se trataba de preparar una careta para su celebración. El me insistió en que deseaba ser un lobo. El lobo de los tres cerditos, el de caperucita roja, que se yo... el lobo. El caso es que he pasado cinco horas de los últimos dos días cosiendo esta careta que hoy cuelgo en esta foto. El proceso creativo es el siguiente. sacar un lobo de donde no lo hay. primero lo dibujé un poco por encima, tomé medida de la cabecilla del interesado y recopilé materiales varios. Tela de fieltro marrón, un poco de pelos de algún abrigo viejo que encontré, y algo más de telas de colores y guata. El caso es que empiezo a coser sin patrón, a lo loco cosiendo con hilo enebrado a lo bestia, una pieza dentera, el morro, dos colmillos de trapo y una lengua. dos tardes dándole a la aguja. Yo coso poco y a lo bestia. El resultado no es malo, es muy aparentoso pero es un medio. Eso es lo que he visto en todo esto. El fin era que mi pequeño fuera contento al colegio y yo sentir que hacía algo oportuno y bueno para él. Sus ojos dentro del engendro me lo han confirmado... estaba feliz. No se coser, me he pinchado y no importa, la cosa es ponerse y acabar entendiendo lo que ahí pasaba.

Imágenes que contienen historias poco o muy comunes

Hola, solo hola. Si ha pasado el tiempo y como no ando sobrado no voy a andarme con rodeos. Ando dando vueltas a una imagen. Un cubo semi enterrado en la arena de la playa. Es un cubo de color azul, con el asa amarilla. Esta lleno de arena de playa mojada, como cuando cuesta sacarla porque la han metido a conciencia. El cubo esta solo. Es por la tarde y nadie lo reclama, lo han dejado allí. Esta abandonado a una distancia de 15 metros del agua. Que hace allí. En manos de un artista esta imagen puede ser un guiño al veraneo, evocar lo que sería una trastada de niños que olvidaron su juguete. También puede ser fruto del olvido de la recogida de la jornada playera con los niños... El cubo esta solo, semi enterrado, esperando la noche . Noche que se vecina y que no perdonará a esa presencia en la arena. Puede ser el olvido de una ola que vuelve al mar, pero no, en este caso se llenó a drede de arena y se dejo allí. ¿Porque una imagen así nos puede evocar algo como artistas? Como es posible que una imagen tan sencilla pueda esconder algo. El asunto esta en que todo cambia desde la perspectiva del entorno. si centro un poco más la escena y lo ubico todo en una playa del norte de España... puede ser que empiece a cobrar sentido.

Resulta que esa imagen es la última que recuerdo de la playa de Ondarreta de San Sebastián de este pasado verano. es por la tarde y yo estoy jugando con mis hijos en el jardín del palacio de Miramar. Desde allí veo el cubo. Como imagen no es muy potente...pero y si cuento que es el resultado de haber salido corriendo por la mañana de la playa? si, ese día la policía autónoma vasca nos sacó de la playa corriendo porque hubo un aviso de bomba terrorista. Consultar las hemerotecas...15 de agosto de 2009. el cubo de mis hijos se quedó allí no nos dio tiempo a cogerlo. un erchainak llevó en volandas en el cochecito a mi bebe mientras mi mujer tiraba de mi hija mayor y yo del mediano... miedo.

a veces una imagen inocente puede esconder toda una reflexión para un artista. quizá en la transcripción de la realidad que hacen los artistas esta escondido un acertijo, fruto de la sucesión de experiencias propias. recordad todo lo simbólico de los surrealistas. en fin para entenderlo tengo que dibujarlo. Ese cubo en esa playa. saludos

Ser Pablo Picasso o ser Vermer

En esto de hacer cuadros o dibujos o cualquier obra de arte, la cantidad y la calidad si que importan. Por un lado tenemos a Pablo Picasso, del que hay noticias cada mes, aún muerto hace 35 años. En su rincón del ring (sin que esto sea un combate) hay una infinidad de obra, que es inabarcable. Prolifero, tremendo, capaz de hacer una obra en dos trazos. Su pintura es sin más genial, un derroche de arte y de capacidad de hacerlo todo bien. En una entrevista en Francia en los años 50 decía que la televisión era muy interesante, que le encantaría trabajar delante de las cámaras y con ello realizar algo muy interesante. "a la gente le encantaría" decía, jejej tenía razón. No se ni cuantas obras existen de Picasso pero seguro que hay miles. Dibujos , esculturas, pinturas, cerámica, collage, lo que sea miles miles etc. Además lo que no hizo, lo dejó preparado para qeu luego otros familiares lo combinaran e hicieran posteriormente. El otro caso es el de Vermeer.... de Delft, 35 cuadros se colgaron en la exposición en el prado. 35 los que se conservan y una maravilla todos ellos. todos de tamaños reducidos, nada "gernicainos". Por supuesto que hay tres siglos de distancia (vermeer muere en 1675, Picasso en 1973). Vermeer muere pobre y asediado por los acreedores y Picasso endiosado. Hay que ver como ambos beben de lo cotidiano, de lo costumbrista. Ambos comienzan con sus obras de lo ajeno y se meten en lo cotidiano más y más. Vermeer 35 maravillas en toda una vida (43 años). Picasso Miles de obras maravillosas en toda una vida (91 años). Me gusta como las dos opciones son tan buenas y como en ellas lo importante es llegar a la perfección en la representación. Por cierto hoy han robado un cuaderno de dibujos de Picasso del museo que lleva su nombre de París. 35 millones € vale el cuadernito...la noticia de este mes sobre el genio. Haced la prueba, una vez al mes encontraréis la palabra Picasso en cualquier medio de comunicación.

Arte elevado y aplicado

Hola a todos, bueno a los dos que leen mi blog. Siento no escribir tanto como antes pero ando de cabeza. Hoy quiero hablar de una parte muy importante del arte: Arte y artesanía.
En mis primero años de estudios, cursé algo de diseño en la escuela de artes y oficios de Madrid. En ese tiempo pude conocer las numerosas escuelas especializadas en Artes aplicadas. Repujado en cuero, trofeos y medallas, ilustración, bueno este caso es mas de arte hoy en día con premio nacional y todo. Todo un mundo muy variado que da solución a un hueco que hoy en día en parte se puede suplantar con la tecnología pero no del todo. El diseño de estampados, el diseño de muebles, el diseño de todo se puede hacer, menos la pieza única.
Hay especialistas en ebanistería que realizan un trabajo único, que nadie más puede ejecutar del mismo modo. También hay gente que hace marcos de cuadros que nadie más sabe hacer. Sólo cuatro marcos al año. Especialistas en pan de oro no especialmente restauradores.
Sin embargo estas disciplinas no fueron siempre consideradas arte con mayúsculas. Por ejemplo Antonio Gaudí diseñó unas sillas de madera que son esculturas impresionantes aplicadas a la utilidad de sentarse. O también hay telares que son pinturas en si, tanto como una pintada con tela, lo único que está hecho de hilos de colores. Lo difícil es el límite entre el cuadrito de punto de cruz y el telar impresionante como por ejemplo el que había de Joan miró en el hall de una de las torres gemelas.
La manufactura es el hecho diferencial, la artesanía se aleja de todo lo industrial. Por eso puede rozar tanto con el arte no aplicado.
No por el hecho de ser útil específicamente deja de ser obra de arte, hay grandiosas sillas, alfombras, mil cosas, sin ir mas lejos la arquitectura, que no es una ingeniería de casas, es más arte aplicado que otra cosa. Estas cosas dan calorcillo. Hay artesanos que dan mil patadas a artistas.

La intención de pintar

Desde los tiempos remotos ha existido la pintura. Cuando el "homo lo que fuere" puso su mano sucia sobre la pared y la manchó, ahí empezó la historia del arte. No sé cual fue el primero, ni sé si su intención era mágica, o de entretenimiento. A lo mejor se aburría y empezó a manchar la pared con barro, tierra con orina o cualquier palo quemado de la hoguera de la noche anterior. La reacción de los padres sería "Oye GurK, hay que reprender al niño, que nos ha manchado la pared de la cueva..." El caso es que las pinturas están ahí. O no las borraron porque les gustó, o porque no pudieron. Lo que más me gusta es el gesto de coger algo con el dedo, o un palo de carbón, y ponerse delante de la roca a garabatear. En ese momento en que la mano , el ojo , y el medio de expresión se vinculan , empiezan la consciencia y la inconsciencia a caminar de la mano . No me importa el fin, pero si la finalidad que trata de representar. Que busca algo para los demás o para sí.

De todo eso algo nos queda a los pintores. En el caso de la pintura, es como los grandes mamíferos. Los rinocerontes con sus cuernos sobre la nariz. Los elefantes, con su trompa en la nariz...Las ballenas que son mamíferos acuáticos, con nariz...no sé pero a mi me da en la nariz que estos supervivientes de la evolución, son como los pintores. Son los últimos bichos raros que quedan de tiempos remotos. No son raros del todo pero tienen algo peculiar, un cuerno, una trompa miles de dientes largos como pelos. Y además los tratan de cazar para poner sus triunfos en los salones.

Los niños empiezan la lectoescritura con técnicas de dibujo. Con códigos de forma propias de la pintura. Por eso es tan importante pasar horas con ellos pintando. Creo que pertenece a la formación que más les puede ayudar en el futuro. aunque luego no la empleen en eso. En estos tiempos, la pintura en manos de un niño se puede convertir en una trompa, un cuerno o unos dientes largos como pelos. Algo anexo pero identificador. Un atributo, una nota de color, pero algo suyo. Al mismo tiempo hay que dejarles libertad. El famoso "no se sale al colorear" hay que dejarlo en el colegio, olvidarlo en casa para que represente las cosas como le de la gana. Diferenciar la pintura en la que se le enseñan los recursos educativos, de la pintura en que se enseña a pintar o a representar. La frontera es muy sutil pero merece la pena.

Artistas amigos de artistas

No seré objetivo. Nunca lo soy, pero hoy quiero ser especialmente subjetivo. Que Juan me perdone.

El Jueves que viene 26 de Marzo en la galería Fernando Pradilla de Madrid a las 20 horas inaugura exposición individual Juan Gallego Garrido.

Nos conocemos desde el año 93 cuando empezamos la carrera. El venía de estudiar Físicas...menudo cambio tan drástico. A lo largo de los años de estudios fue "encrescendo" su oficio, y su interés por la pintura y toda técnica de representación como la fotografía el dibujo, etc. El caso es que empezó con carencias. Si carencias en relación a la pintura, carencias de uso de color, de dibujo, de composición, ...muchas carencias de las que nos reímos bastante. Frente a esas carencias había también mucho tesón, mucho interés, muchas ganas de aprender y sobre todo de disfrutar con cada trabajo. Esa ha sido una tónica general en su carrera. Al ver sus cuadros siempre he pensado, "este tío se deja la piel y lo disfruta en su resultado final". Con esto no quiero decir ni mucho menos que le salgan las cosas como churros y con facilidad, eso ha llegado más tarde y de hecho no termina de llegar. No en vano Juan es Doctor en Bellas Artes, con su tiempo extenso de tesis doctoral, tediosa y complicada. Además de todo esto se deja el talento en sus clases de la Universidad de Aranjuez dónde tiene un don especial para enseñar en oposición las carencias que pudo recibir en la Facultad de Madrid. Juan no es un profesor malo, de eso tuvo ejemplos y no cae en lo mismo.

le he visto pintar rincones de las clases para aprender, máscaras africanas aterradoras, paisajes nocturnos, y ahora desde hace ya varios años pintar desde la madurez de artista pleno. Sus temas desde "Principio de incertidumbre" nos muestran esa evolución desde lo mínimo como punto de partida hasta lo máximo. Hablar de la pintura de Juan es hablar de pintura con mayúscula. Es hablar de la concepción de oficio de pintor, el que es capaz de trasnochar, el que aprende de cada pincelada, de cada duerme-vela en busca de sus fines.

Algunos apuntes técnicos (con perdón) sobre su pintura:

La pincelada se ha soltado alcanzando más precisión si cabe.

Nada de estreñimiento pictórico. La mano esta suelta y el gesto sereno. Nada sobra.

Los cuadros están pintados sin miedo.

Interacción de los colores unos con otros magistral, con lo difícil que es utilizar el verde. El dichoso verde es un color que es muy conocido por el ojo , hay tanta variedad en el entorno natural que es muy difícil hacerlo creíble pintando. Complicadísimo de combinar. Juan se fía de lo que ve en la naturaleza.

El tratamiento de la luz roza el "sfumato" desde una perspectiva contemporánea.

Algunos apuntes conceptuales:

Cada cuadro de Juan es dramático. A mí me recuerdan a la balsa de la medusa de Gericault.

Son obras sobre la plenitud y el vacío.

Cada cuadro creo que nace crece se reproduce y muere en la retina, para volver a nacer después.

Son obras redondas. Cuando las miras en una sala te cuesta dejar una, para pasar a la siguiente.

Para mi estos cuadros son también denuncia biológica, terreno inconquistable, y algo tan estéticamente cuidado que me recuerda al arte oriental.

Son pura alegoría, tanto es así que si alguien dice que son cuadros decorativos, es mejor que se pase por Ikea para ver una "exposición"...

Temas arriesgados, podría ser un cursi pero es un salvaje, tan salvaje como un franco tirador.

Juan ahora, pinta a quemarropa. Sin complejos.

Suerte y véanlo antes de que crezca. Aunque solo sea por el orgullo de poder conocer la obra de un artista contemporáneo de verdad.

No es que sea amigo mío, que lo es. Es que es un gran pintor

Menacenssamble. Leeds. UK. 1999

Hace ya diez años de esta exposición. Se trataba de hacer una instalación con todo lo trabajado durante unos meses en Leeds, en la metropolitan university. Pasé ese curso de doctorado allí , con la obsesión de trabajar en pintura y serigrafía. Cuando fuimos Miren y yo a NY en el 98, me quedé completamente impresionado con la obra de Robert Rauschenberg. Conocía la obra de Warhol, pero nunca me interesó tanto como la otra. Mezclaba la pintura, y el concepto de uso de imagen icónica, es bien diferente. Warhol toma personajes y los convierte en icono, Elvis, Marilyn, la sopa Campbell...lo que sea. Lo diferencia y lo transforma, mediante contrastes en algo unitario. Trabaja el concepto de icono ortodoxo ruso, una imagen que transporta a una realidad determinada. Lo cargaba todo de significado. Warhol crea productos a partir de iconos de la cultura norteamericana. Era muy necesario en su cultura. Rauschenberg es diferente, a mi me gustó mucho mas. Mezcla, pinta, rasga, imprime, y vuelve a imprimir. Emplea iconos pero los repinta y carga de expresión de un modo menos "limpio" y menos quirurjico. Warhol es a la serigrafía lo que un neurocirujano, Rauschenberg es traumatólogo...

En ese aprendizaje surgió Menacenssamble, una cascada de cientos de imagenes en una pared. La instalación la hicimos entre el pintor Raúl Bravo y yo. Consistía en una cascada de serigrafías , dibujos y pinturas de todo tipo, objetos encontrados etc. Los ingleses no se podían creer la cantidad de trabajo realizado. La sala era rectangular, de unos 60 metros cuadrados. En una pared las miles de imagenes sin orden, en la de enfrente cuatro cuadros ordenados de modo convencional. El contraste era tremendo. El material era pobre, muy pobre, estábamos mas pelados que los gatos. Entregamos un proyecto póvera, sucio pero coherente, lo aprobaron enseguida. Lo impreso eran los propios dibujos, fotos tratadas de revistas, impresión sobre revistas, alfombras, tuberías, una valla de la calle resto de un siniestro, carteleras, maderos, papel reciclado, cartulinas de gran formato y calidad, lienzos , laminas de látex, papel de acetato transparente, la expo duró dos semanas en la galería y la vuelta de Inglaterra con más peso del legal en las maletas...llenas de serigrafías que aún hoy sigo trabajando. Fue una pieza concreta de una experiencia vital muy trascendente para pasar a la vida adulta de artista.

Creatividad...algunos apuntes

La creatividad se define como una manera nueva y mejor de hacer algo, capaz de ser repetida o evolucionada y de perdurar en el tiempo. Es Eficaz. Hay infinidad de situaciones en las que podemos encontrarnos con el problema creativo, abarca todas las facetas de la vida. La primera premisa es que la solución al problema creativo está en el propio problema.

Cuando se evoluciona de modo creativo, se alcanza la forma de un pulpo. Se abarca más, se tienen más agarradores, y se optimizan los movimientos que se hacen. Hasta se pueden generar cortinas de tinta para escapar, o ganar tiempo en una huida.

Como siempre el proceso creativo es más importante que el producto terminado. En el arte es así, por ejemplo en una pieza que te planteas. Si empiezas de cero te haces preguntas del tipo ¿que quiero representar? o mejor ¿sobre qué quiero pensar? y luego desembocar en trabajar evitando las formas de comunicar que explican todo en lo secundario. Tratar de comunicar mucho …con poco.

Las piezas hay que dejarlas lo más abiertas posibles. En el Barroco los cielos se abren hacia arriba, los cuadros dejan abierta la puerta de salida, canalizada hacia un fin concreto o no. En las obras de concepto esto se multiplica por n-mil.

El asunto del pulpo, en el caso del arte es el "oficio".

1- Trabajar haciendo varias cosas a la vez.

2- Perfeccionar la fisionomía de nuestros esfuerzos como la evolución de las especies: por necesidad.

3- Moverse despacio. Adecuado al entorno y medio

4- Dejar de enumerar los pasos a seguir...

En definitiva, ir encontrando los pasos de trabajo de cada uno que día a día se transforman en una rutina de trabajo. Partir de esta rutina, no es malo, al contrario hace evolucionar apoyándose en lo anterior.

Al crear algo y dejarlo abierto, permites que crezca o que lo hagan crecer otros. Fundamental en el arte de concepto.

Consumo de arte y televisión

Hace poco he leído una sentencia de Cohen Seat y Fougeyrollas que con mucho acierto define en la televisión la capacidad de adultizar al niño, e infantilizar al adulto.

Como decía Rudolph Arnheim en Arte y percepción visual, la televisión es tremendamente pasiva, consigue que el espectador se anestesie y no piense. La tv nos pone en "standby", no nos apaga, no nos anula, pero su consumo, aplaca maravillosamente los estados de ánimo del día.

Para no demonizarla vemos que cuando uno llega cansado del trabajo y se relaja tiene varias opciones. Unas le supondrán esfuerzos, otras no. La persona que colecciona sellos y se pone a mirar por Internet las diferentes ediciones de esta o esa colección, el que hace barcos con palillos, el que ve la tele, todo lo que rodea actividad de ocio, bebe de la necesidad de relajar la cabeza de los sucesos del día. Sin embargo en el caso del Arte, sea del tipo que sea, lo podemos entender más como una actividad de consumo intelectual propio. En ello interactúa el artista, la obra, el expositor y el espectador o consumidor de arte. El arte se puede consumir sin llevárselo uno a casa consigo. Físicamente.

Si nos planeamos acudir a una exposición, lo haremos con una finalidad de disfrute ( a veces por compromiso) .

El asunto esta en que si procesamos cada obra desde la búsqueda de preguntas, nos podemos agotar. Creo que es bueno ir a exposiciones , y hacerlo como un consumo de ocio, pero con una ligera programación previa integrada en la propia actividad. Ya lo he hablado en ocasiones anteriores pero quiero darle una vuelta mas.

1- Voy a ver una exposición: Elegir fecha , hora , lugar.

2- Leer algo sobre lo que voy a ver. Tipo de exposición, pintura , escultura, grabado...

3- Buscar la mejor hora de visita. No menos de 40 minutos...

4-establecer un criterio de visita. Para ello ver las fechas de la obras, las coincidencias en las obras, la técnica compartida, los temas etc...

5-Con toda esta información previa, ver la exposición despacio, poco a poco, parando en aquello que me interese. Un poco de silencio para que la obra me mire a mí también.

Como decía antes en el ocio se puede uno abandonar en la actividad para que esta reporte ese puro ocio, o se puede disfrutar desde el esfuerzo que cataliza ese disfrute. Sin embargo también está el riesgo que define Arnheim comentando sobre el arte moderno "abundancia de obras que dan fe de un gran talento y destreza visual pero también de una deplorable superficialidad mental". Nadie te asegura que lo que veas no sea un bodrio.

Es como lo de Aquellos chalados en sus locos cacharros, cada uno a lo suyo.

Arte inacabado y rutina

Sobre las dimensiones del arte y los diferenetes modos de trabajo, he encontrado un fragmento en vídeo del pintor Antonio López hablando sobre le arte inacabado y la relación con el espectador. Me ha gustado y por eso lo pongo. No camuflaré en nada la admiración por la obra de este artista. Me gusta y mucho, como Barceló, cada uno en lo suyo. No creo que los pintores (artistas) se tengan que catalogar por lo que hacen en concreto , sino por lo que hacen en el conjunto de su obra. El caso es que este hombre tiene un "oficio" increíble y en exposiciones como esta se disfruta mucho. Tanto los avanzados en el arte como los neófitos pueden asomarse a su arte y disfrutarlo. El Artista nos comenta como ve las idmensiones de las cosas y la representacion de lo cotidiano. Me lo apodero hoy para poder poner una voz diferente de la mía. Lo que más me gusta es lo poco pedorro que es, lo llano y transparente. Y sobre todo ... es un pintor-escultor que habla de pintura y de escultura, no de una sociología lejana a su obra.

Stand up Margarita

Retomo este cuaderno de bitácora después de varios días sin tocarlo. Acabo de terminar una exposición colectiva en la que presenté dos piezas. Me centro en la que más me ha interesado.

Se trata de una escultura textil de las que he llamado textilmorfos. Son trabajos hechos con material muy pobre, telas de retor cosidas, de las que se emplean como lienzos para las pinturas. Estas esculturas , de las que ya llevo unas cuantas, me están produciendo muchas alegrías.

La idea original es convertir en objeto , el propio material destinado para representar esos objetos. Podemos emplear el lienzo para pintarlo o de este otro modo, lo cosemos y lo convertimos en el propio objeto. Me gusta esta pieza porque es un conjunto muy enigmático. Mezclo la infancia con la madurez, el protagonismo de tres personajes entre la masa que suponen los seis en total. He trabajado con dos figuras mas o menos reconocibles, la infanta Margarita y el príncipe Baltasar Carlos de Velázquez. El resto son figuras anónimas de la s que destaca un primer termino con más detalle en los ropajes y la figura de un adulto. Los demás son actores secundarios necesarios. La niña esta en el suelo y los demás han acudido a socorrerla con mas o menos curiosidad. El adulto esta con actitud de superioridad, a punto de alzarla o de firmar una extraña defunción.

En la relación de estos elementos y posturas , me gustaría que el espectador se parase a descifrar desde su perspectiva la composición que funciona como una escena de ninots de falla valenciana, un paso de semana santa, o pieza tridimensional de un retablo.

Trabajo sin patrón, añado tela de forma muy pictórica, donde la necesito para crear tal o cual volumen. El resultado esta vez me ha encantado y la presentación museologica más. Presentándolo en una vitrina de metacrilato, le dan al material un áurea de protección propia de las joyas de la corona, y una carga de delicadeza que completa la pieza.

Unos dibujos muy trabajados, de unos días muy valientes

Los primeros dibujos después de la decisión de ingresar en BBAA me formaron y dieron una libertad total desde el esfuerzo más crudo y tozudo.

Gracias a Dios vengo de la educación pictórica más clásica y académica , la que me enseñó la apuesta por el trabajo del aprendizaje, y la humildad en el ligero desprecio de la propia obra. A menudo pienso que hago porquerías, en esos días mucho más. El asunto del dibujo era una búsqueda de nuevos lenguajes tan apasionantes como desconocidos por mi.

Necesité cuatro años para empezar a dedicarle tiempo y encontrar respuestas a todas las preguntas y juicios de valor que esta clase de pintura me originaba. Siempre he dibujado, desde niño, siempre ha sido una afición y entretenimiento personal muy rico, pero hasta el 92 no empecé a dedicarle tiempo a fondo, no más de unos carboncillos en verano con mi abuela y mi madre

Apareció Rafael Hidalgo de Caviedes, el pintor arquitecto, escultor y genio con el que tuve la suerte de aprender en su estudio-academia centenaria. Me daba mucha caña, me hacía trabajar semanas en un dibujo y luego me lo destrozaba. Me enseño cómo fragmentar y construir cualquier figura desde las líneas de composición fundamentales. Para enseñarme a dibujar me mandó horas al zoo, a las marquesinas de la gran vía y la castellana, al prado con lápiz y papel, a dibujar caras por el metro en trayectos largos. Me preparó el ingreso en la escuela de bellas artes atando as esculturas a bancos de madera, con cuerdas que trazaban los puntos cardinales de las composiciones. Me enseñó a mirar. Sin duda lo que me cautivó desde el principio fue la pregunta que me hizo ¿porque te quieres dedicar a esto?, no me dio horarios, ni tarifas, sino una pregunta que tiene que responder el tiempo, pero a los 18 años es bueno hacerse.

Espacios de origen 1994 (2ª parte)

La verdad es que parece mentira , menudas fotos mas malas. Cuando conté en mi post pasado la pieza , algunos amigos me han dicho que no se ve un pimiento, así que en este segunda parte lo podé enseñar mejor. Para pintar este cuadro utilicé un bastidor de 146x114 cm en posición horizontal. Le pegue un tablero de contrachapado fenólico, del que se utiliza para los barcos y lo pinté con la imprimación de cola de conejo. La cosa no es sencilla pues me pillo el toro como siempre y no lo pude pintar en la facultad. Pedí permiso a la comunidad de vecinos de casa para poder pintarlo en la sala de juntas y a nadie le pareció mal... que lo pidan ahora que nadie se fía de nadie. Es otra cosa. Por un lado le dedique unas horas , días, semanas a ver como conseguir de un modo abstracto, algo muy hiper realista.

las manchas que construyen el cuadro, lo hacen desde la búsqueda de la ambigüedad. Utilicé varios tipos de tintes, incluido el café disuelto en varias densidades. Por suerte dejó de oler al barnizarlo. Mientras tanto me mantuvo muy despejado.

El caso es que la forma que aparece en la pintura la saque de una postal de las cuevas del Drach de Mallorca, una cúpula de una de las salas en las que se hacen conciertos de música clásica.

Entre las estalactitas y los muros de roca, encontré lo que estaba buscando. Pero no era suficiente, también encontré una estupenda forma de torso femenino. La mezcla de las dos imagenes me llevó hasta lo que los indígenas del perú denominan en quechua "Pacha Mama", algo como "madre tierra". Por tanto se juntaban los conceptos de ambigüedad, lo terrenal y la fertilidad de la tierra y del hombre.

Como la madre tierra esta sedimentando cualquier hallazgo, coroné la pieza con tres elementos de colagge que me impresionaron bastante. Se trata de dos balas de fusil disparadas, y un trozo de metralla. Me parecieron tres iconos del paso del hombre con sus sedimentos de lucha. La lucha en definitiva siempre ha sido por un palmo más o menos de tierra.

Como conté esta obra tenía tres partes, la naturaleza, la naturaleza modificada , y la naturaleza imitada o creada por el hombre. Sin duda un espacio de origen que me aportó toda una puerta de entrada al mundo conceptual, tan desconocido para mi. Hasta la fecha pintar era pintar, y los parecidos.