Hunga!!! Hunga!!!

Esta semana la creatividad de la etapa de barbecho pictórico en que me encuentro se la ha llevado de nuevo el colegio de los pequeños. Están montando una cueva o caverna de la era del paleolítico. Pintando las paredes como los crogmañones y enseñándoles como se vivía en las cuevas, una forma estupenda de aprender cosas viejas-nuevas. Al mismo tiempo la semana pasada nos fuimos a la Ribera del Duero a una casa rural con amigos para conocer la zona. la verdad que preciosa. Nos vinimos con el maletero lleno de palos, piedras, cortezas y yesca para hacer un poco de cosillas de estas de los primeros pobladores. El resultado es tremendamente peligroso dado que seguí las instrucciones de la serie "Erase una vez el hombre". Nada aconsejable para críos de tres años. Hicimos las flechas con ramas verdes de tamarindo, rectas, acabadas en orquillas como las de un tira chinas pero tres brazos. Colocábamos las piedras en el centro y luego las atamos con hilo de bramante. Finalmente una capa de yesca mezclada con grasa animal a modo de pegamento. Como no tenemos grasa animal por casa y en nuestra ciudad el bisonte no se deja cazar, puse acetato de polivinilo que es mas sencillo de emplear y de lavar. Por otra parte para la cueva, hemos hecho un mechero de los de la época, imitando la forma de transportar el fuego de la película "en busca del fuego " de Jean Jaques Annaud. Además del mechero paleolítico una antorcha con cortezas y mucha yesca. Como no queríamos prenderlas las pintamos con las típicas ceras Manley con algún punto rojo y naranja que representara el rescoldo y luego el humo con guata sacada del interior de un forro de abrigo. El resultado, dos tarde de trabajo con los chicos y mas excusa para estar juntos en mi pequeño mundo de momentos ideales. Hay días en los que no me importan los siete años de estudios superiores sin dedicarme en exclusiva a la producción de lo que podría ser mi obra. Simplemente me hace sentir bien hacer estas cosas "quemando todas las naves"

Entender como niños

Hoy es uno de esos días en los que todo se pone a favor desde la mañana. No importa nada, hoy entiendo el mundo. Hay una frase de no se que artista que dice que no se entiende algo hasta que no se dibuja. Me atrevo a ampliarlo, hasta que no se construye, se crea, se trata de hacer algo donde antes no había mas que un deseo. Mi hijo mediano me planteó un reto para la fiesta de haloween que se celebra estos días. No es una fiesta que me guste en especial. no la reconozco como algo de mi realidad pasado o presente. Hoy lo ha sido. se trataba de preparar una careta para su celebración. El me insistió en que deseaba ser un lobo. El lobo de los tres cerditos, el de caperucita roja, que se yo... el lobo. El caso es que he pasado cinco horas de los últimos dos días cosiendo esta careta que hoy cuelgo en esta foto. El proceso creativo es el siguiente. sacar un lobo de donde no lo hay. primero lo dibujé un poco por encima, tomé medida de la cabecilla del interesado y recopilé materiales varios. Tela de fieltro marrón, un poco de pelos de algún abrigo viejo que encontré, y algo más de telas de colores y guata. El caso es que empiezo a coser sin patrón, a lo loco cosiendo con hilo enebrado a lo bestia, una pieza dentera, el morro, dos colmillos de trapo y una lengua. dos tardes dándole a la aguja. Yo coso poco y a lo bestia. El resultado no es malo, es muy aparentoso pero es un medio. Eso es lo que he visto en todo esto. El fin era que mi pequeño fuera contento al colegio y yo sentir que hacía algo oportuno y bueno para él. Sus ojos dentro del engendro me lo han confirmado... estaba feliz. No se coser, me he pinchado y no importa, la cosa es ponerse y acabar entendiendo lo que ahí pasaba.

Imágenes que contienen historias poco o muy comunes

Hola, solo hola. Si ha pasado el tiempo y como no ando sobrado no voy a andarme con rodeos. Ando dando vueltas a una imagen. Un cubo semi enterrado en la arena de la playa. Es un cubo de color azul, con el asa amarilla. Esta lleno de arena de playa mojada, como cuando cuesta sacarla porque la han metido a conciencia. El cubo esta solo. Es por la tarde y nadie lo reclama, lo han dejado allí. Esta abandonado a una distancia de 15 metros del agua. Que hace allí. En manos de un artista esta imagen puede ser un guiño al veraneo, evocar lo que sería una trastada de niños que olvidaron su juguete. También puede ser fruto del olvido de la recogida de la jornada playera con los niños... El cubo esta solo, semi enterrado, esperando la noche . Noche que se vecina y que no perdonará a esa presencia en la arena. Puede ser el olvido de una ola que vuelve al mar, pero no, en este caso se llenó a drede de arena y se dejo allí. ¿Porque una imagen así nos puede evocar algo como artistas? Como es posible que una imagen tan sencilla pueda esconder algo. El asunto esta en que todo cambia desde la perspectiva del entorno. si centro un poco más la escena y lo ubico todo en una playa del norte de España... puede ser que empiece a cobrar sentido.

Resulta que esa imagen es la última que recuerdo de la playa de Ondarreta de San Sebastián de este pasado verano. es por la tarde y yo estoy jugando con mis hijos en el jardín del palacio de Miramar. Desde allí veo el cubo. Como imagen no es muy potente...pero y si cuento que es el resultado de haber salido corriendo por la mañana de la playa? si, ese día la policía autónoma vasca nos sacó de la playa corriendo porque hubo un aviso de bomba terrorista. Consultar las hemerotecas...15 de agosto de 2009. el cubo de mis hijos se quedó allí no nos dio tiempo a cogerlo. un erchainak llevó en volandas en el cochecito a mi bebe mientras mi mujer tiraba de mi hija mayor y yo del mediano... miedo.

a veces una imagen inocente puede esconder toda una reflexión para un artista. quizá en la transcripción de la realidad que hacen los artistas esta escondido un acertijo, fruto de la sucesión de experiencias propias. recordad todo lo simbólico de los surrealistas. en fin para entenderlo tengo que dibujarlo. Ese cubo en esa playa. saludos

Ser Pablo Picasso o ser Vermer

En esto de hacer cuadros o dibujos o cualquier obra de arte, la cantidad y la calidad si que importan. Por un lado tenemos a Pablo Picasso, del que hay noticias cada mes, aún muerto hace 35 años. En su rincón del ring (sin que esto sea un combate) hay una infinidad de obra, que es inabarcable. Prolifero, tremendo, capaz de hacer una obra en dos trazos. Su pintura es sin más genial, un derroche de arte y de capacidad de hacerlo todo bien. En una entrevista en Francia en los años 50 decía que la televisión era muy interesante, que le encantaría trabajar delante de las cámaras y con ello realizar algo muy interesante. "a la gente le encantaría" decía, jejej tenía razón. No se ni cuantas obras existen de Picasso pero seguro que hay miles. Dibujos , esculturas, pinturas, cerámica, collage, lo que sea miles miles etc. Además lo que no hizo, lo dejó preparado para qeu luego otros familiares lo combinaran e hicieran posteriormente. El otro caso es el de Vermeer.... de Delft, 35 cuadros se colgaron en la exposición en el prado. 35 los que se conservan y una maravilla todos ellos. todos de tamaños reducidos, nada "gernicainos". Por supuesto que hay tres siglos de distancia (vermeer muere en 1675, Picasso en 1973). Vermeer muere pobre y asediado por los acreedores y Picasso endiosado. Hay que ver como ambos beben de lo cotidiano, de lo costumbrista. Ambos comienzan con sus obras de lo ajeno y se meten en lo cotidiano más y más. Vermeer 35 maravillas en toda una vida (43 años). Picasso Miles de obras maravillosas en toda una vida (91 años). Me gusta como las dos opciones son tan buenas y como en ellas lo importante es llegar a la perfección en la representación. Por cierto hoy han robado un cuaderno de dibujos de Picasso del museo que lleva su nombre de París. 35 millones € vale el cuadernito...la noticia de este mes sobre el genio. Haced la prueba, una vez al mes encontraréis la palabra Picasso en cualquier medio de comunicación.

Arte elevado y aplicado

Hola a todos, bueno a los dos que leen mi blog. Siento no escribir tanto como antes pero ando de cabeza. Hoy quiero hablar de una parte muy importante del arte: Arte y artesanía.
En mis primero años de estudios, cursé algo de diseño en la escuela de artes y oficios de Madrid. En ese tiempo pude conocer las numerosas escuelas especializadas en Artes aplicadas. Repujado en cuero, trofeos y medallas, ilustración, bueno este caso es mas de arte hoy en día con premio nacional y todo. Todo un mundo muy variado que da solución a un hueco que hoy en día en parte se puede suplantar con la tecnología pero no del todo. El diseño de estampados, el diseño de muebles, el diseño de todo se puede hacer, menos la pieza única.
Hay especialistas en ebanistería que realizan un trabajo único, que nadie más puede ejecutar del mismo modo. También hay gente que hace marcos de cuadros que nadie más sabe hacer. Sólo cuatro marcos al año. Especialistas en pan de oro no especialmente restauradores.
Sin embargo estas disciplinas no fueron siempre consideradas arte con mayúsculas. Por ejemplo Antonio Gaudí diseñó unas sillas de madera que son esculturas impresionantes aplicadas a la utilidad de sentarse. O también hay telares que son pinturas en si, tanto como una pintada con tela, lo único que está hecho de hilos de colores. Lo difícil es el límite entre el cuadrito de punto de cruz y el telar impresionante como por ejemplo el que había de Joan miró en el hall de una de las torres gemelas.
La manufactura es el hecho diferencial, la artesanía se aleja de todo lo industrial. Por eso puede rozar tanto con el arte no aplicado.
No por el hecho de ser útil específicamente deja de ser obra de arte, hay grandiosas sillas, alfombras, mil cosas, sin ir mas lejos la arquitectura, que no es una ingeniería de casas, es más arte aplicado que otra cosa. Estas cosas dan calorcillo. Hay artesanos que dan mil patadas a artistas.

La intención de pintar

Desde los tiempos remotos ha existido la pintura. Cuando el "homo lo que fuere" puso su mano sucia sobre la pared y la manchó, ahí empezó la historia del arte. No sé cual fue el primero, ni sé si su intención era mágica, o de entretenimiento. A lo mejor se aburría y empezó a manchar la pared con barro, tierra con orina o cualquier palo quemado de la hoguera de la noche anterior. La reacción de los padres sería "Oye GurK, hay que reprender al niño, que nos ha manchado la pared de la cueva..." El caso es que las pinturas están ahí. O no las borraron porque les gustó, o porque no pudieron. Lo que más me gusta es el gesto de coger algo con el dedo, o un palo de carbón, y ponerse delante de la roca a garabatear. En ese momento en que la mano , el ojo , y el medio de expresión se vinculan , empiezan la consciencia y la inconsciencia a caminar de la mano . No me importa el fin, pero si la finalidad que trata de representar. Que busca algo para los demás o para sí.

De todo eso algo nos queda a los pintores. En el caso de la pintura, es como los grandes mamíferos. Los rinocerontes con sus cuernos sobre la nariz. Los elefantes, con su trompa en la nariz...Las ballenas que son mamíferos acuáticos, con nariz...no sé pero a mi me da en la nariz que estos supervivientes de la evolución, son como los pintores. Son los últimos bichos raros que quedan de tiempos remotos. No son raros del todo pero tienen algo peculiar, un cuerno, una trompa miles de dientes largos como pelos. Y además los tratan de cazar para poner sus triunfos en los salones.

Los niños empiezan la lectoescritura con técnicas de dibujo. Con códigos de forma propias de la pintura. Por eso es tan importante pasar horas con ellos pintando. Creo que pertenece a la formación que más les puede ayudar en el futuro. aunque luego no la empleen en eso. En estos tiempos, la pintura en manos de un niño se puede convertir en una trompa, un cuerno o unos dientes largos como pelos. Algo anexo pero identificador. Un atributo, una nota de color, pero algo suyo. Al mismo tiempo hay que dejarles libertad. El famoso "no se sale al colorear" hay que dejarlo en el colegio, olvidarlo en casa para que represente las cosas como le de la gana. Diferenciar la pintura en la que se le enseñan los recursos educativos, de la pintura en que se enseña a pintar o a representar. La frontera es muy sutil pero merece la pena.

Artistas amigos de artistas

No seré objetivo. Nunca lo soy, pero hoy quiero ser especialmente subjetivo. Que Juan me perdone.

El Jueves que viene 26 de Marzo en la galería Fernando Pradilla de Madrid a las 20 horas inaugura exposición individual Juan Gallego Garrido.

Nos conocemos desde el año 93 cuando empezamos la carrera. El venía de estudiar Físicas...menudo cambio tan drástico. A lo largo de los años de estudios fue "encrescendo" su oficio, y su interés por la pintura y toda técnica de representación como la fotografía el dibujo, etc. El caso es que empezó con carencias. Si carencias en relación a la pintura, carencias de uso de color, de dibujo, de composición, ...muchas carencias de las que nos reímos bastante. Frente a esas carencias había también mucho tesón, mucho interés, muchas ganas de aprender y sobre todo de disfrutar con cada trabajo. Esa ha sido una tónica general en su carrera. Al ver sus cuadros siempre he pensado, "este tío se deja la piel y lo disfruta en su resultado final". Con esto no quiero decir ni mucho menos que le salgan las cosas como churros y con facilidad, eso ha llegado más tarde y de hecho no termina de llegar. No en vano Juan es Doctor en Bellas Artes, con su tiempo extenso de tesis doctoral, tediosa y complicada. Además de todo esto se deja el talento en sus clases de la Universidad de Aranjuez dónde tiene un don especial para enseñar en oposición las carencias que pudo recibir en la Facultad de Madrid. Juan no es un profesor malo, de eso tuvo ejemplos y no cae en lo mismo.

le he visto pintar rincones de las clases para aprender, máscaras africanas aterradoras, paisajes nocturnos, y ahora desde hace ya varios años pintar desde la madurez de artista pleno. Sus temas desde "Principio de incertidumbre" nos muestran esa evolución desde lo mínimo como punto de partida hasta lo máximo. Hablar de la pintura de Juan es hablar de pintura con mayúscula. Es hablar de la concepción de oficio de pintor, el que es capaz de trasnochar, el que aprende de cada pincelada, de cada duerme-vela en busca de sus fines.

Algunos apuntes técnicos (con perdón) sobre su pintura:

La pincelada se ha soltado alcanzando más precisión si cabe.

Nada de estreñimiento pictórico. La mano esta suelta y el gesto sereno. Nada sobra.

Los cuadros están pintados sin miedo.

Interacción de los colores unos con otros magistral, con lo difícil que es utilizar el verde. El dichoso verde es un color que es muy conocido por el ojo , hay tanta variedad en el entorno natural que es muy difícil hacerlo creíble pintando. Complicadísimo de combinar. Juan se fía de lo que ve en la naturaleza.

El tratamiento de la luz roza el "sfumato" desde una perspectiva contemporánea.

Algunos apuntes conceptuales:

Cada cuadro de Juan es dramático. A mí me recuerdan a la balsa de la medusa de Gericault.

Son obras sobre la plenitud y el vacío.

Cada cuadro creo que nace crece se reproduce y muere en la retina, para volver a nacer después.

Son obras redondas. Cuando las miras en una sala te cuesta dejar una, para pasar a la siguiente.

Para mi estos cuadros son también denuncia biológica, terreno inconquistable, y algo tan estéticamente cuidado que me recuerda al arte oriental.

Son pura alegoría, tanto es así que si alguien dice que son cuadros decorativos, es mejor que se pase por Ikea para ver una "exposición"...

Temas arriesgados, podría ser un cursi pero es un salvaje, tan salvaje como un franco tirador.

Juan ahora, pinta a quemarropa. Sin complejos.

Suerte y véanlo antes de que crezca. Aunque solo sea por el orgullo de poder conocer la obra de un artista contemporáneo de verdad.

No es que sea amigo mío, que lo es. Es que es un gran pintor