Creatividad...algunos apuntes

La creatividad se define como una manera nueva y mejor de hacer algo, capaz de ser repetida o evolucionada y de perdurar en el tiempo. Es Eficaz. Hay infinidad de situaciones en las que podemos encontrarnos con el problema creativo, abarca todas las facetas de la vida. La primera premisa es que la solución al problema creativo está en el propio problema.

Cuando se evoluciona de modo creativo, se alcanza la forma de un pulpo. Se abarca más, se tienen más agarradores, y se optimizan los movimientos que se hacen. Hasta se pueden generar cortinas de tinta para escapar, o ganar tiempo en una huida.

Como siempre el proceso creativo es más importante que el producto terminado. En el arte es así, por ejemplo en una pieza que te planteas. Si empiezas de cero te haces preguntas del tipo ¿que quiero representar? o mejor ¿sobre qué quiero pensar? y luego desembocar en trabajar evitando las formas de comunicar que explican todo en lo secundario. Tratar de comunicar mucho …con poco.

Las piezas hay que dejarlas lo más abiertas posibles. En el Barroco los cielos se abren hacia arriba, los cuadros dejan abierta la puerta de salida, canalizada hacia un fin concreto o no. En las obras de concepto esto se multiplica por n-mil.

El asunto del pulpo, en el caso del arte es el "oficio".

1- Trabajar haciendo varias cosas a la vez.

2- Perfeccionar la fisionomía de nuestros esfuerzos como la evolución de las especies: por necesidad.

3- Moverse despacio. Adecuado al entorno y medio

4- Dejar de enumerar los pasos a seguir...

En definitiva, ir encontrando los pasos de trabajo de cada uno que día a día se transforman en una rutina de trabajo. Partir de esta rutina, no es malo, al contrario hace evolucionar apoyándose en lo anterior.

Al crear algo y dejarlo abierto, permites que crezca o que lo hagan crecer otros. Fundamental en el arte de concepto.

Consumo de arte y televisión

Hace poco he leído una sentencia de Cohen Seat y Fougeyrollas que con mucho acierto define en la televisión la capacidad de adultizar al niño, e infantilizar al adulto.

Como decía Rudolph Arnheim en Arte y percepción visual, la televisión es tremendamente pasiva, consigue que el espectador se anestesie y no piense. La tv nos pone en "standby", no nos apaga, no nos anula, pero su consumo, aplaca maravillosamente los estados de ánimo del día.

Para no demonizarla vemos que cuando uno llega cansado del trabajo y se relaja tiene varias opciones. Unas le supondrán esfuerzos, otras no. La persona que colecciona sellos y se pone a mirar por Internet las diferentes ediciones de esta o esa colección, el que hace barcos con palillos, el que ve la tele, todo lo que rodea actividad de ocio, bebe de la necesidad de relajar la cabeza de los sucesos del día. Sin embargo en el caso del Arte, sea del tipo que sea, lo podemos entender más como una actividad de consumo intelectual propio. En ello interactúa el artista, la obra, el expositor y el espectador o consumidor de arte. El arte se puede consumir sin llevárselo uno a casa consigo. Físicamente.

Si nos planeamos acudir a una exposición, lo haremos con una finalidad de disfrute ( a veces por compromiso) .

El asunto esta en que si procesamos cada obra desde la búsqueda de preguntas, nos podemos agotar. Creo que es bueno ir a exposiciones , y hacerlo como un consumo de ocio, pero con una ligera programación previa integrada en la propia actividad. Ya lo he hablado en ocasiones anteriores pero quiero darle una vuelta mas.

1- Voy a ver una exposición: Elegir fecha , hora , lugar.

2- Leer algo sobre lo que voy a ver. Tipo de exposición, pintura , escultura, grabado...

3- Buscar la mejor hora de visita. No menos de 40 minutos...

4-establecer un criterio de visita. Para ello ver las fechas de la obras, las coincidencias en las obras, la técnica compartida, los temas etc...

5-Con toda esta información previa, ver la exposición despacio, poco a poco, parando en aquello que me interese. Un poco de silencio para que la obra me mire a mí también.

Como decía antes en el ocio se puede uno abandonar en la actividad para que esta reporte ese puro ocio, o se puede disfrutar desde el esfuerzo que cataliza ese disfrute. Sin embargo también está el riesgo que define Arnheim comentando sobre el arte moderno "abundancia de obras que dan fe de un gran talento y destreza visual pero también de una deplorable superficialidad mental". Nadie te asegura que lo que veas no sea un bodrio.

Es como lo de Aquellos chalados en sus locos cacharros, cada uno a lo suyo.

Arte inacabado y rutina

Sobre las dimensiones del arte y los diferenetes modos de trabajo, he encontrado un fragmento en vídeo del pintor Antonio López hablando sobre le arte inacabado y la relación con el espectador. Me ha gustado y por eso lo pongo. No camuflaré en nada la admiración por la obra de este artista. Me gusta y mucho, como Barceló, cada uno en lo suyo. No creo que los pintores (artistas) se tengan que catalogar por lo que hacen en concreto , sino por lo que hacen en el conjunto de su obra. El caso es que este hombre tiene un "oficio" increíble y en exposiciones como esta se disfruta mucho. Tanto los avanzados en el arte como los neófitos pueden asomarse a su arte y disfrutarlo. El Artista nos comenta como ve las idmensiones de las cosas y la representacion de lo cotidiano. Me lo apodero hoy para poder poner una voz diferente de la mía. Lo que más me gusta es lo poco pedorro que es, lo llano y transparente. Y sobre todo ... es un pintor-escultor que habla de pintura y de escultura, no de una sociología lejana a su obra.

Stand up Margarita

Retomo este cuaderno de bitácora después de varios días sin tocarlo. Acabo de terminar una exposición colectiva en la que presenté dos piezas. Me centro en la que más me ha interesado.

Se trata de una escultura textil de las que he llamado textilmorfos. Son trabajos hechos con material muy pobre, telas de retor cosidas, de las que se emplean como lienzos para las pinturas. Estas esculturas , de las que ya llevo unas cuantas, me están produciendo muchas alegrías.

La idea original es convertir en objeto , el propio material destinado para representar esos objetos. Podemos emplear el lienzo para pintarlo o de este otro modo, lo cosemos y lo convertimos en el propio objeto. Me gusta esta pieza porque es un conjunto muy enigmático. Mezclo la infancia con la madurez, el protagonismo de tres personajes entre la masa que suponen los seis en total. He trabajado con dos figuras mas o menos reconocibles, la infanta Margarita y el príncipe Baltasar Carlos de Velázquez. El resto son figuras anónimas de la s que destaca un primer termino con más detalle en los ropajes y la figura de un adulto. Los demás son actores secundarios necesarios. La niña esta en el suelo y los demás han acudido a socorrerla con mas o menos curiosidad. El adulto esta con actitud de superioridad, a punto de alzarla o de firmar una extraña defunción.

En la relación de estos elementos y posturas , me gustaría que el espectador se parase a descifrar desde su perspectiva la composición que funciona como una escena de ninots de falla valenciana, un paso de semana santa, o pieza tridimensional de un retablo.

Trabajo sin patrón, añado tela de forma muy pictórica, donde la necesito para crear tal o cual volumen. El resultado esta vez me ha encantado y la presentación museologica más. Presentándolo en una vitrina de metacrilato, le dan al material un áurea de protección propia de las joyas de la corona, y una carga de delicadeza que completa la pieza.

Unos dibujos muy trabajados, de unos días muy valientes

Los primeros dibujos después de la decisión de ingresar en BBAA me formaron y dieron una libertad total desde el esfuerzo más crudo y tozudo.

Gracias a Dios vengo de la educación pictórica más clásica y académica , la que me enseñó la apuesta por el trabajo del aprendizaje, y la humildad en el ligero desprecio de la propia obra. A menudo pienso que hago porquerías, en esos días mucho más. El asunto del dibujo era una búsqueda de nuevos lenguajes tan apasionantes como desconocidos por mi.

Necesité cuatro años para empezar a dedicarle tiempo y encontrar respuestas a todas las preguntas y juicios de valor que esta clase de pintura me originaba. Siempre he dibujado, desde niño, siempre ha sido una afición y entretenimiento personal muy rico, pero hasta el 92 no empecé a dedicarle tiempo a fondo, no más de unos carboncillos en verano con mi abuela y mi madre

Apareció Rafael Hidalgo de Caviedes, el pintor arquitecto, escultor y genio con el que tuve la suerte de aprender en su estudio-academia centenaria. Me daba mucha caña, me hacía trabajar semanas en un dibujo y luego me lo destrozaba. Me enseño cómo fragmentar y construir cualquier figura desde las líneas de composición fundamentales. Para enseñarme a dibujar me mandó horas al zoo, a las marquesinas de la gran vía y la castellana, al prado con lápiz y papel, a dibujar caras por el metro en trayectos largos. Me preparó el ingreso en la escuela de bellas artes atando as esculturas a bancos de madera, con cuerdas que trazaban los puntos cardinales de las composiciones. Me enseñó a mirar. Sin duda lo que me cautivó desde el principio fue la pregunta que me hizo ¿porque te quieres dedicar a esto?, no me dio horarios, ni tarifas, sino una pregunta que tiene que responder el tiempo, pero a los 18 años es bueno hacerse.

Espacios de origen 1994 (2ª parte)

La verdad es que parece mentira , menudas fotos mas malas. Cuando conté en mi post pasado la pieza , algunos amigos me han dicho que no se ve un pimiento, así que en este segunda parte lo podé enseñar mejor. Para pintar este cuadro utilicé un bastidor de 146x114 cm en posición horizontal. Le pegue un tablero de contrachapado fenólico, del que se utiliza para los barcos y lo pinté con la imprimación de cola de conejo. La cosa no es sencilla pues me pillo el toro como siempre y no lo pude pintar en la facultad. Pedí permiso a la comunidad de vecinos de casa para poder pintarlo en la sala de juntas y a nadie le pareció mal... que lo pidan ahora que nadie se fía de nadie. Es otra cosa. Por un lado le dedique unas horas , días, semanas a ver como conseguir de un modo abstracto, algo muy hiper realista.

las manchas que construyen el cuadro, lo hacen desde la búsqueda de la ambigüedad. Utilicé varios tipos de tintes, incluido el café disuelto en varias densidades. Por suerte dejó de oler al barnizarlo. Mientras tanto me mantuvo muy despejado.

El caso es que la forma que aparece en la pintura la saque de una postal de las cuevas del Drach de Mallorca, una cúpula de una de las salas en las que se hacen conciertos de música clásica.

Entre las estalactitas y los muros de roca, encontré lo que estaba buscando. Pero no era suficiente, también encontré una estupenda forma de torso femenino. La mezcla de las dos imagenes me llevó hasta lo que los indígenas del perú denominan en quechua "Pacha Mama", algo como "madre tierra". Por tanto se juntaban los conceptos de ambigüedad, lo terrenal y la fertilidad de la tierra y del hombre.

Como la madre tierra esta sedimentando cualquier hallazgo, coroné la pieza con tres elementos de colagge que me impresionaron bastante. Se trata de dos balas de fusil disparadas, y un trozo de metralla. Me parecieron tres iconos del paso del hombre con sus sedimentos de lucha. La lucha en definitiva siempre ha sido por un palmo más o menos de tierra.

Como conté esta obra tenía tres partes, la naturaleza, la naturaleza modificada , y la naturaleza imitada o creada por el hombre. Sin duda un espacio de origen que me aportó toda una puerta de entrada al mundo conceptual, tan desconocido para mi. Hasta la fecha pintar era pintar, y los parecidos.

Espacios de Origen (1994)

Esta foto es una cutrada, pero no tengo otra. Además, aunque suene un poco viejo, en ese año no teníamos nada digital y los revelados eran una pasta... en fin que esta pieza responde a un año y medio de seminario de historia del arte. En Espacios de Origen (título del estudio), dirigidos por Mercedes Replinger una de las mejores profesoras de historia del arte que he tenido, le dimos vueltas al texto que comente de sócrates y el objeto encontrado, al ensayo de Cirlot sobre el objeto surrealista, a los "Ritos Eleusinos", a todo tipo de  representación artística vinculada.

Un trabajo que finalizó con una publicación de un catálogo y una exposición en la sala de exposiciones de la facultad de BBAA de madrid.

 La cosa no era poco. En segundo año y con una exposición en la sala que estaba reservada para los que se licenciaban , los doctores, los profesores, etc. 

El caso es que mi pieza era una reflexión sobre el objeto manufacturado, el objeto natural y el objeto ambiguo. 

Así la llame "objeto ambiguo". Tres piezas en un formato de exposición que con el tiempo he repetido. Una frontal como un espejo, una pintura abstracta que bien podía representar humedad en una pared.  Delante un par de piedras. Una arenisca de forma cúbica irregular de unos 150 kg de peso. Lo que nos costó bajarla a la sala... sobre la arenisca tallé con gradina y mazo unas formas rúnicas. algo qeu resultaba tribal.

Por último sobre la piedra una roca pequeña esférica, perfectamente tallada por el rio Tormes. Un canto rodado. Las tres piezas se combinaban dando origen a una pregunta, la misma de Socrates Que era manufacturado, que no.

El sentido de todo versa en el momento del hallazgo de la pieza, precisamente mi bautizo expositivo profesional, fue con la eterna pregunta de ¿que es esto? 

a esta pregunta sólo se puede responder desde el estudio descriptivo del mismo. La experiencia fue estupenda, paso el tiempo, la vendí y ahora el cuadro está en un salón junto a un cuadro de Viola. De las piedras no se nada. Aunque sigo buscando por el campo y la playa objetos abandonados por la naturaleza de difícil denominación de origen